| Bagdad Rap (Arturo Cisneros) | |
martes, noviembre 28, 2006
sábado, noviembre 25, 2006
2Pac - Pac's Life (ft. Ashanti & T.I.)
Segundo sencillo del nuevo disco del finado rapero Tupac Shakur, que se extrae de su nuevo material, Pac's Life. Justamente este track es el que da título al disco. Dirigido por Gobi Rahmi, quien trabajó con Tupac en el pasado, en sencillos como Hit 'Em Up. En este video, Gobi brinda imágenes inéditas del cantante, tomadas durante trabajos anteriores y las cuales el director esperaba el momento adecuado para compartirlas, lo que ha podido darse a luz a raíz del nuevo material de 2Pac.
Makaveli Lives On...
[Harry Haller]
Segundo sencillo del nuevo disco del finado rapero Tupac Shakur, que se extrae de su nuevo material, Pac's Life. Justamente este track es el que da título al disco. Dirigido por Gobi Rahmi, quien trabajó con Tupac en el pasado, en sencillos como Hit 'Em Up. En este video, Gobi brinda imágenes inéditas del cantante, tomadas durante trabajos anteriores y las cuales el director esperaba el momento adecuado para compartirlas, lo que ha podido darse a luz a raíz del nuevo material de 2Pac.
Makaveli Lives On...
[Harry Haller]
jueves, noviembre 23, 2006
Día de Acción de Gracias
El cuarto jueves de cada mes de Noviembre...
Los Peregrinos que celebraron la primera acción de gracias en Plymouth en 1621, habían salido de Inglaterra para Holanda en 1608, perseguidos por sus creencias religiosas. En 1620 decidieron zarpar para la Colonia Virginia. Al llegar a Plymouth, Massachusetts, conocieron al indígena Squanto, quien les ayudó a sobrevivir el crudo invierno. Muchos murieron debido a la pulmonía y el escorbuto. Al cosechar su primer maíz decidieron hacer una fiesta para celebrar. Los soldados desfilaron, tocaron trompetas, y dispararon cartuchos en blanco. Invitaron a 90 indígenas, quienes compitieron con ellos en carreras y saltos, y llevaron cinco ciervos para la comida, que incluía pato, ganso, venado, mariscos, pan blanco, pan de maíz, y verduras. Según la historia, en esta primera celebración no se incluyó el pavo, ni la salsa de arándano, ni la torta de calabaza, que son los platos favoritos del Día de Acción de Gracias moderno.
Desde 1621 hasta 1863 se celebró esporádicamente y en distintas fechas, y por ser una celebración religiosa, algunos gobernadores consideraban que decretarla era interferencia estatal en la religión. Aunque el presidente Washington había emitido una proclama en 1789, fue el presidente Lincoln quien decretó el feriado nacional durante la Guerra Civil.
Esta fiesta se aprovecha para hacer grandes reuniones familiares. Por la mañana se acostumbra ver por televisión el gran desfile del Almacén Macy's en Nueva York, el cual incluye bombas gigantescas, carrozas, bandas, figuras de los personajes más conocidos por los niños, y hasta Papá Noel, pues para muchos esta fecha marca el principio de la época navideña.
Las familias se reúnen para una comida opípara que incluye el pavo relleno, las batatas, la salsa de arándano, el puré con salsa de carne, el pan de maíz, la cebolla en salsa blanca, la torta de calabaza, y los pasteles de carne picada con frutas. Por la tarde se ven partidos de fútbol americano en estadios o por televisión. Los deportes han sido parte importante de esta celebración desde el principio.
Pero tambien, la familia se reune este día en su cena para dar gracias por todas las bendiciones que han recibido en sus vidas.
http://bogota.usembassy.gov/wwwsthnk.shtml
Los Peregrinos que celebraron la primera acción de gracias en Plymouth en 1621, habían salido de Inglaterra para Holanda en 1608, perseguidos por sus creencias religiosas. En 1620 decidieron zarpar para la Colonia Virginia. Al llegar a Plymouth, Massachusetts, conocieron al indígena Squanto, quien les ayudó a sobrevivir el crudo invierno. Muchos murieron debido a la pulmonía y el escorbuto. Al cosechar su primer maíz decidieron hacer una fiesta para celebrar. Los soldados desfilaron, tocaron trompetas, y dispararon cartuchos en blanco. Invitaron a 90 indígenas, quienes compitieron con ellos en carreras y saltos, y llevaron cinco ciervos para la comida, que incluía pato, ganso, venado, mariscos, pan blanco, pan de maíz, y verduras. Según la historia, en esta primera celebración no se incluyó el pavo, ni la salsa de arándano, ni la torta de calabaza, que son los platos favoritos del Día de Acción de Gracias moderno.
Desde 1621 hasta 1863 se celebró esporádicamente y en distintas fechas, y por ser una celebración religiosa, algunos gobernadores consideraban que decretarla era interferencia estatal en la religión. Aunque el presidente Washington había emitido una proclama en 1789, fue el presidente Lincoln quien decretó el feriado nacional durante la Guerra Civil.
Esta fiesta se aprovecha para hacer grandes reuniones familiares. Por la mañana se acostumbra ver por televisión el gran desfile del Almacén Macy's en Nueva York, el cual incluye bombas gigantescas, carrozas, bandas, figuras de los personajes más conocidos por los niños, y hasta Papá Noel, pues para muchos esta fecha marca el principio de la época navideña.
Las familias se reúnen para una comida opípara que incluye el pavo relleno, las batatas, la salsa de arándano, el puré con salsa de carne, el pan de maíz, la cebolla en salsa blanca, la torta de calabaza, y los pasteles de carne picada con frutas. Por la tarde se ven partidos de fútbol americano en estadios o por televisión. Los deportes han sido parte importante de esta celebración desde el principio.
Pero tambien, la familia se reune este día en su cena para dar gracias por todas las bendiciones que han recibido en sus vidas.
http://bogota.usembassy.gov/wwwsthnk.shtml
sábado, noviembre 18, 2006
Te Mando Flores
(Fonseca)
Nacido en Bogotá hace 26 años, FONSECA se interesó por la música desde muy temprana edad. A los doce hizo su primer experimento componiendo un tema que logró plasmar en 500 copias que más adelante comercializó a familiares y amigos más cercanos. De esta manera comenzó a materializar un sueño que desde los 5 años tenía en mente.
Para llevarlo a cabo, contó con el apoyo de sus padres, quienes veían en su empeño por ser cantante, una cualidad para que iniciara la carrera que siempre anheló. Por ello, FONSECA se matriculó en diferentes instituciones educativas como la Universidad Javeriana en Bogotá y el Berklee College of Music en Boston, Estados Unidos, donde adquirió destrezas que le permitieron sobresalir en el amplio y competitivo mundo artístico.
Su álbum debut titulado FONSECA, lanzado en el 2002 se convirtió en toda una sorpresa para el público nacional. Mezclando sonidos alegres, ritmos enérgicos y letras pegajosas, este joven se pudo situar entre los artistas locales con mejores alternativas para sobresalir.
Sus temas Noche de Carnaval, Sueño, Confiésame y Magangue inundaron las estaciones radiales ascendiendo rápidamente en listados. Así mismo, dichas canciones imperaron en las pistas de baile, siendo coreadas por miles de personas que admiraban la calidad musical de FONSECA. Contratos, giras y presentaciones en diferentes conciertos, incluyendo el realizado junto a Shakira en la ciudad de Barranquilla como parte del Tour de La Mangosta y con Juanes en el estadio El Campín de Bogotá, abrieron el espectro de este artista admirado y querido por su música y carisma.
Luego de lanzado este primer disco y de haberse consolidado como toda una estrella en potencia, FONSECA presenta en el 2005, con el respaldo de EMI Music Colombia, su segundo trabajo discográfico titulado CORAZON. Este proyecto, que fue elaborado con nuevos estándares de produccion y composición, ha constituido todo un reto para FONSECA pues su función creadora es mucho más arriesgada y sorprendente en cada una de sus notas.
Para la elaboración de CORAZON FONSECA viajó varias veces a Valledupar, donde se unió con reconocidos músicos de la región para crear el contexto musical de sus canciones que estaba casi seguro, tendrían una alta participación de ritmos vallenatos. El trabajo, que se gestó desde finales del 2004, fue producido por el colombiano BERNARDO OSSA, quién es toda una institución en este campo y cuenta con muchos premios internacionales que lo respaldan. Ossa ha trabajado al lado de Kike Santander y de los artistas más importantes de los últimos años.
CORAZON explora una serie de emociones que este cantautor bogotano llevaba guardadas a lo largo de dos años. Ritmos Vallenatos, bullerengue, tambora, tambores africanos y hasta
un poco de salsa clásica, es lo que se podrá encontrar a lo largo de este esperado trabajo. Mezclado por el ingeniero de sonido Boris Milan (quién ha trabajado para Olga Tañón, Ricardo Montaner, Emilio Estefan, Alejandro Fernández, David Bisbal y Kike Santander, entre otros) y masterizado en el estudio Master House de Miami, CORAZON marca una evolución clara en la carrera profesional de FONSECA quién ha llegado a perfeccionar su ya consolidada esencia musical.
(Fonseca)
Nacido en Bogotá hace 26 años, FONSECA se interesó por la música desde muy temprana edad. A los doce hizo su primer experimento componiendo un tema que logró plasmar en 500 copias que más adelante comercializó a familiares y amigos más cercanos. De esta manera comenzó a materializar un sueño que desde los 5 años tenía en mente.
Para llevarlo a cabo, contó con el apoyo de sus padres, quienes veían en su empeño por ser cantante, una cualidad para que iniciara la carrera que siempre anheló. Por ello, FONSECA se matriculó en diferentes instituciones educativas como la Universidad Javeriana en Bogotá y el Berklee College of Music en Boston, Estados Unidos, donde adquirió destrezas que le permitieron sobresalir en el amplio y competitivo mundo artístico.
Su álbum debut titulado FONSECA, lanzado en el 2002 se convirtió en toda una sorpresa para el público nacional. Mezclando sonidos alegres, ritmos enérgicos y letras pegajosas, este joven se pudo situar entre los artistas locales con mejores alternativas para sobresalir.
Sus temas Noche de Carnaval, Sueño, Confiésame y Magangue inundaron las estaciones radiales ascendiendo rápidamente en listados. Así mismo, dichas canciones imperaron en las pistas de baile, siendo coreadas por miles de personas que admiraban la calidad musical de FONSECA. Contratos, giras y presentaciones en diferentes conciertos, incluyendo el realizado junto a Shakira en la ciudad de Barranquilla como parte del Tour de La Mangosta y con Juanes en el estadio El Campín de Bogotá, abrieron el espectro de este artista admirado y querido por su música y carisma.
Luego de lanzado este primer disco y de haberse consolidado como toda una estrella en potencia, FONSECA presenta en el 2005, con el respaldo de EMI Music Colombia, su segundo trabajo discográfico titulado CORAZON. Este proyecto, que fue elaborado con nuevos estándares de produccion y composición, ha constituido todo un reto para FONSECA pues su función creadora es mucho más arriesgada y sorprendente en cada una de sus notas.
Para la elaboración de CORAZON FONSECA viajó varias veces a Valledupar, donde se unió con reconocidos músicos de la región para crear el contexto musical de sus canciones que estaba casi seguro, tendrían una alta participación de ritmos vallenatos. El trabajo, que se gestó desde finales del 2004, fue producido por el colombiano BERNARDO OSSA, quién es toda una institución en este campo y cuenta con muchos premios internacionales que lo respaldan. Ossa ha trabajado al lado de Kike Santander y de los artistas más importantes de los últimos años.
CORAZON explora una serie de emociones que este cantautor bogotano llevaba guardadas a lo largo de dos años. Ritmos Vallenatos, bullerengue, tambora, tambores africanos y hasta
un poco de salsa clásica, es lo que se podrá encontrar a lo largo de este esperado trabajo. Mezclado por el ingeniero de sonido Boris Milan (quién ha trabajado para Olga Tañón, Ricardo Montaner, Emilio Estefan, Alejandro Fernández, David Bisbal y Kike Santander, entre otros) y masterizado en el estudio Master House de Miami, CORAZON marca una evolución clara en la carrera profesional de FONSECA quién ha llegado a perfeccionar su ya consolidada esencia musical.
viernes, noviembre 17, 2006
El mundo de la música dice adiós a Paul Mauriat
LUIS MARTÍN
El pasado 3 de noviembre, a los 81 años de edad, Paul Mauriat, uno de los más populares directores de orquesta de las últimas décadas, falleció por razones que todavía no han sido detalladas. Con Paul Mauriat, nacido en Marsella en 1925, desaparece una fuerza expresiva que apenas encuentra parangón en la música ligera producida durante la segunda mitad del siglo XX. Y aún es preciso apuntar que, pese a que su trabajo se hubiese decantado por la opción más ambiental de la música orquestal, el aficionado siempre podrá encontrar en él a un personaje polifacético.
Sirva como ejemplo el hecho de que, aprestándose a acompañar el repertorio de artistas como Maurice Chavalier, Charles Aznavour, Pétula Clark o Mireille Mathieu, también se ganó la consideración de personaje de inevitable referencia cuando se realiza cualquier estudio de la música popular del siglo XX.
Antes de ser un músico famoso, Paul Mauriat ya dirigía varias orquestas de baile en la ciudad de París, donde se trasladó con su familia siendo todavía un niño. Eso fue antes de convertirse en amigo de Eddie Barclay, productor discográfico de Jacques Brel y Charles Aznavour, entre otros.
Barclay, propietario por añadidura de la fonográfica del mismo nombre, abrió a Mauriat innúmeras puertas en el mundo de la música, incluidas desde luego las de la composición de bandas sonoras cinematográficas. Como prueba, tres títulos vienen ahora a colación, todos con música de Mauriat: «Un taxi para Tobrouk» (1961), «Horace 62» (1962), y «Faits sauter la banque» (1964).
Para entonces, mediada la década de los sesenta, sus dotes como arreglista ya habían llegado a oídos de artistas como Léo Ferré, la mencionada Pétula Clark, Leny Escudero o Melina Mercury, que comenzaron a reclamar sus servicios. Todos admiraban la forma de organizar arreglos de aquel hombre de los mil seudónimos (Nico Papadopoulos, Richard Audrey, Willy Twist...), con la melodía casi exclusivamente «dicha» por las cuerdas y muy en primer plano. Su salto al terreno de la composición de canciones era inminente.
Fue en 1967, con la cantante de ascendencia griega Vicky Leandros cantando en Eurovisión «Love is blue», cuando la fama de Mauriat como autor de canciones alcanzó el mercurio. La composición ha sido, hasta donde la memoria llega, tan versionada que, incluso, por las librerías, discurre una biografía, escrita por Serge Elhaik y titulada «Une vie en bleu» en homenaje, precisamente, a aquella canción, originariamente concebida con título afrancesado: «L´amour est bleu».
La historia de la música popular está sembrada de grandes figuras que supieron dar voz única a sus modos, pese a que éstas se encauzasen por terrenos tan variopintos como los del pop, la música clásica incluso, el jazz ambiental, los números de variedades o el vasto universo del cancionismo más ecléctico.
Paul Mauriat es una de esas figuras y un breve repaso a algunos de los títulos de sus discos da una idea de lo ambicioso de su trabajo: «Navidades blancas», «Canción de amor», «Brasil exclusivamente» (varios volúmenes), «Roma desde el balcón», «Copacabana», «Paul Mauriat toca para niños», «Noches latinas», «Ritmo y blues», «Paul Mauriat toca a Chopin», «El cóndor pasa», «Paul Mauriat toca a los Beatles», «Nagekidori», «Iberia» o «Soundtracks».
Cabe decir finalmente que, desde los años setenta, Paul Mauriat había quedado tan seducido por la sonoridad electrónica del sintetizador, que comenzó a combinar este instrumento con la tromba orquestal en la que, hacía ya algún tiempo, permitía que se intuyesen con mayor rotundidad las percusiones. En sus últimos años, con su nombre olvidado por las nuevas generaciones, había encontrado refugio para su música en Oriente donde sus discos siempre se vendieron bien. En 1998 ofreció su despedida en Osaka, un evento que ha quedado registrado en el álbum «Sayonara concert».
Paul Mauriat vivía retirado en Perpiñán. Dicen que, a menudo, por la proximidad, viajaba a España donde pasaba algunas temporadas. Ha muerto sin competencia posible, acaso sólo la de Frank Pourcell. Y con un heredero para su legado: Jean-Jacques Justafre, que dirigía su orquesta hasta hace poco.
El pasado 3 de noviembre, a los 81 años de edad, Paul Mauriat, uno de los más populares directores de orquesta de las últimas décadas, falleció por razones que todavía no han sido detalladas. Con Paul Mauriat, nacido en Marsella en 1925, desaparece una fuerza expresiva que apenas encuentra parangón en la música ligera producida durante la segunda mitad del siglo XX. Y aún es preciso apuntar que, pese a que su trabajo se hubiese decantado por la opción más ambiental de la música orquestal, el aficionado siempre podrá encontrar en él a un personaje polifacético.
Sirva como ejemplo el hecho de que, aprestándose a acompañar el repertorio de artistas como Maurice Chavalier, Charles Aznavour, Pétula Clark o Mireille Mathieu, también se ganó la consideración de personaje de inevitable referencia cuando se realiza cualquier estudio de la música popular del siglo XX.
Antes de ser un músico famoso, Paul Mauriat ya dirigía varias orquestas de baile en la ciudad de París, donde se trasladó con su familia siendo todavía un niño. Eso fue antes de convertirse en amigo de Eddie Barclay, productor discográfico de Jacques Brel y Charles Aznavour, entre otros.
Barclay, propietario por añadidura de la fonográfica del mismo nombre, abrió a Mauriat innúmeras puertas en el mundo de la música, incluidas desde luego las de la composición de bandas sonoras cinematográficas. Como prueba, tres títulos vienen ahora a colación, todos con música de Mauriat: «Un taxi para Tobrouk» (1961), «Horace 62» (1962), y «Faits sauter la banque» (1964).
Para entonces, mediada la década de los sesenta, sus dotes como arreglista ya habían llegado a oídos de artistas como Léo Ferré, la mencionada Pétula Clark, Leny Escudero o Melina Mercury, que comenzaron a reclamar sus servicios. Todos admiraban la forma de organizar arreglos de aquel hombre de los mil seudónimos (Nico Papadopoulos, Richard Audrey, Willy Twist...), con la melodía casi exclusivamente «dicha» por las cuerdas y muy en primer plano. Su salto al terreno de la composición de canciones era inminente.
Fue en 1967, con la cantante de ascendencia griega Vicky Leandros cantando en Eurovisión «Love is blue», cuando la fama de Mauriat como autor de canciones alcanzó el mercurio. La composición ha sido, hasta donde la memoria llega, tan versionada que, incluso, por las librerías, discurre una biografía, escrita por Serge Elhaik y titulada «Une vie en bleu» en homenaje, precisamente, a aquella canción, originariamente concebida con título afrancesado: «L´amour est bleu».
La historia de la música popular está sembrada de grandes figuras que supieron dar voz única a sus modos, pese a que éstas se encauzasen por terrenos tan variopintos como los del pop, la música clásica incluso, el jazz ambiental, los números de variedades o el vasto universo del cancionismo más ecléctico.
Paul Mauriat es una de esas figuras y un breve repaso a algunos de los títulos de sus discos da una idea de lo ambicioso de su trabajo: «Navidades blancas», «Canción de amor», «Brasil exclusivamente» (varios volúmenes), «Roma desde el balcón», «Copacabana», «Paul Mauriat toca para niños», «Noches latinas», «Ritmo y blues», «Paul Mauriat toca a Chopin», «El cóndor pasa», «Paul Mauriat toca a los Beatles», «Nagekidori», «Iberia» o «Soundtracks».
Cabe decir finalmente que, desde los años setenta, Paul Mauriat había quedado tan seducido por la sonoridad electrónica del sintetizador, que comenzó a combinar este instrumento con la tromba orquestal en la que, hacía ya algún tiempo, permitía que se intuyesen con mayor rotundidad las percusiones. En sus últimos años, con su nombre olvidado por las nuevas generaciones, había encontrado refugio para su música en Oriente donde sus discos siempre se vendieron bien. En 1998 ofreció su despedida en Osaka, un evento que ha quedado registrado en el álbum «Sayonara concert».
Paul Mauriat vivía retirado en Perpiñán. Dicen que, a menudo, por la proximidad, viajaba a España donde pasaba algunas temporadas. Ha muerto sin competencia posible, acaso sólo la de Frank Pourcell. Y con un heredero para su legado: Jean-Jacques Justafre, que dirigía su orquesta hasta hace poco.
jueves, noviembre 16, 2006
Muere de anorexia modelo Brasileña.
Muere de anorexia modelo brasileña
Notimex
Sao Paulo (Notimex).- La modelo brasileña Ana Carolina Restón Macán, quien realizó la mayor parte de su carrera profesional en México, murió a los 21 años de edad como consecuencia de un cuadro grave de anorexia, informaron hoy medios electrónicos locales.
El portal informativo Ultimo Segundo afirmó que la modelo, que medía 1.72 metros de estatura y pesaba sólo 40 kilogramos, falleció el martes en una clínica de Sao Paulo a causa de una septicemia provocada por insuficiencia renal.
El cuerpo de la maniquí fue sepultado este miércoles en la ciudad paulista de Pirapora de Bom Jesús, donde residía su familia.
Restón Macán, quien debía viajar esta semana a Francia para una sesión de fotografías, estaba internada desde el pasado 25 de octubre en una clínica paulista por "debilidad" causada por una "anorexia nerviosa", según el primer parte médico.
La causa de la muerte, sin embargo, fue una infección generalizada a raíz de una insuficiencia renal provocada por el cuadro de salud deteriorado en los últimos días, de acuerdo con informaciones médicas.
La modelo, oriunda de la ciudad paulista de Jundiaí, donde ganó un concurso de modelaje cuando tenía 13 años, recibió a los 17 el permiso de sus padres para continuar su carrera en México, a causa de los problemas financiaros que enfrentaba su familia.
La madre de la maniquí, quien comerciaba con oro, sufrió un robo de cuatro kilogramos del metal precioso y el padre comenzaba un tratamiento de mal del Alzheimer, razón por la cual permitieron la partida de su hija a México, siendo aún menor de edad. Durante su carrera, Restón Macán participó de campañas publicitarias en China y Turquía, donde residió varias temporadas, hasta que su primera agencia la "abandonó" en México, según la casa de modelos L"Equipe, que la reclutó en la capital mexicana.
La maniquí brasileña se fue a vivir luego a Japón, donde realizó ensayo para la casa de modas Giorgio Armani, pero su trabajo fue rechazado por "flaca", según relató Lica Kohlrausch, propietaria de la agencia L"Equipe.
La psicóloga María Beatriz Meirelles Leite, que hace cuatro años trabaja para las agencias de modelos Ford y Marilyn, reveló que "cerca del 20 por ciento de las chicas anoréxicas que llegan a los hospitales mueren".
Familiares, amigos y hasta el novio de Restón Macán, el también modelo Bruno Setti, de 19 años, relataron que la modelo vomitaba lo poco que comía y pidieron más rigor de las agencias en cuidar su alimentación.
Notimex
Sao Paulo (Notimex).- La modelo brasileña Ana Carolina Restón Macán, quien realizó la mayor parte de su carrera profesional en México, murió a los 21 años de edad como consecuencia de un cuadro grave de anorexia, informaron hoy medios electrónicos locales.
El portal informativo Ultimo Segundo afirmó que la modelo, que medía 1.72 metros de estatura y pesaba sólo 40 kilogramos, falleció el martes en una clínica de Sao Paulo a causa de una septicemia provocada por insuficiencia renal.
El cuerpo de la maniquí fue sepultado este miércoles en la ciudad paulista de Pirapora de Bom Jesús, donde residía su familia.
Restón Macán, quien debía viajar esta semana a Francia para una sesión de fotografías, estaba internada desde el pasado 25 de octubre en una clínica paulista por "debilidad" causada por una "anorexia nerviosa", según el primer parte médico.
La causa de la muerte, sin embargo, fue una infección generalizada a raíz de una insuficiencia renal provocada por el cuadro de salud deteriorado en los últimos días, de acuerdo con informaciones médicas.
La modelo, oriunda de la ciudad paulista de Jundiaí, donde ganó un concurso de modelaje cuando tenía 13 años, recibió a los 17 el permiso de sus padres para continuar su carrera en México, a causa de los problemas financiaros que enfrentaba su familia.
La madre de la maniquí, quien comerciaba con oro, sufrió un robo de cuatro kilogramos del metal precioso y el padre comenzaba un tratamiento de mal del Alzheimer, razón por la cual permitieron la partida de su hija a México, siendo aún menor de edad. Durante su carrera, Restón Macán participó de campañas publicitarias en China y Turquía, donde residió varias temporadas, hasta que su primera agencia la "abandonó" en México, según la casa de modelos L"Equipe, que la reclutó en la capital mexicana.
La maniquí brasileña se fue a vivir luego a Japón, donde realizó ensayo para la casa de modas Giorgio Armani, pero su trabajo fue rechazado por "flaca", según relató Lica Kohlrausch, propietaria de la agencia L"Equipe.
La psicóloga María Beatriz Meirelles Leite, que hace cuatro años trabaja para las agencias de modelos Ford y Marilyn, reveló que "cerca del 20 por ciento de las chicas anoréxicas que llegan a los hospitales mueren".
Familiares, amigos y hasta el novio de Restón Macán, el también modelo Bruno Setti, de 19 años, relataron que la modelo vomitaba lo poco que comía y pidieron más rigor de las agencias en cuidar su alimentación.
Free Hugs Campaing
Sometimes, a hug is all what we need. Free hugs is a real life controversial story of Juan Mann, A man whos sole mission was to reach out and hug a stranger to brighten up their lives.
In this age of social disconnectivity and lack of human contact, the effects of the Free Hugs campaign became phenomenal.
As this symbol of human hope spread accross the city, police and officials ordered the Free Hugs campaign BANNED. What we then witness is the true spirit of humanity come together in what can only be described as awe inspiring.
In the Spirit of the free hugs campaign, PASS THIS TO A FRIEND and HUG A STRANGER! After all, If you can reach just one person...
A veces, un abrazo es todo lo que necesitamos. Abrazos Gratis es una controversial historia de la vida real de Juan Mann. Un hombre cuya unica mision era alcanzar y abrazar a un extraño para alegrar sus vidas.
En esta era de desconexion y falta de contacto humano, los efectos de la campaña Abrazos Gratis llega a ser fenomenal.
Como este simbolo de esperanza humana se extiendo a traves de la ciudad, policias y oficiales ordenaron que la campaña Abrazos Gratis fuera prohibida. Lo que nosotros entonces presenciamos es que el verdadero espiritu de humanidad viene junto con lo que puede ser descrito como inspirando un temor.
En el espiritu de la campaña Abrazos Gratis, PASA ESTO A UN AMIGO y ABRAZA A UN EXTRAÑO!
Despues de todo, si tu puedes alcanzar solo a una persona...
------------------------------ ------------------
http://www.freehugscampaign.org
http://www.myspace.com/freehugscampaign
Press/media contact:paul.stepanek@oninternational. com
Free Hugs Campaing. Inspiring story.
(Music by Sick Puppies)
In this age of social disconnectivity and lack of human contact, the effects of the Free Hugs campaign became phenomenal.
As this symbol of human hope spread accross the city, police and officials ordered the Free Hugs campaign BANNED. What we then witness is the true spirit of humanity come together in what can only be described as awe inspiring.
In the Spirit of the free hugs campaign, PASS THIS TO A FRIEND and HUG A STRANGER! After all, If you can reach just one person...
A veces, un abrazo es todo lo que necesitamos. Abrazos Gratis es una controversial historia de la vida real de Juan Mann. Un hombre cuya unica mision era alcanzar y abrazar a un extraño para alegrar sus vidas.
En esta era de desconexion y falta de contacto humano, los efectos de la campaña Abrazos Gratis llega a ser fenomenal.
Como este simbolo de esperanza humana se extiendo a traves de la ciudad, policias y oficiales ordenaron que la campaña Abrazos Gratis fuera prohibida. Lo que nosotros entonces presenciamos es que el verdadero espiritu de humanidad viene junto con lo que puede ser descrito como inspirando un temor.
En el espiritu de la campaña Abrazos Gratis, PASA ESTO A UN AMIGO y ABRAZA A UN EXTRAÑO!
Despues de todo, si tu puedes alcanzar solo a una persona...
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http://www.freehugscampaign.org
http://www.myspace.com/freehugscampaign
Press/media contact:paul.stepanek@oninternational. com
Free Hugs Campaing. Inspiring story.
(Music by Sick Puppies)
sábado, noviembre 11, 2006
Hagamos un "refresh" de nuestro Lenguaje
Desde que las insignias se llaman "pins", los maricones "gays", las comidas frias "lunchs", y los repartos de cine "castings", el Rio de la Plata no es el mismo.
Ahora es mucho mas moderno. Durante muchos años, los rioplatenses estuvimos hablando en prosa sin enterarnos. Y, lo que es todavia peor, sin darnos cuenta siquiera de lo atrasados que estabamos.
Los niños leian revistas en vez de comics, los jovenes hacian fiestas en vez de parties, los estudiantes y gremialistas pegaban posters creyendo que eran carteles, los empresarios hacian negocios en vez de business, las secretarias usaban medias can-can en vez de panties, y los obreros, tan ordinarios, sacaban la fiambrera al mediodia en vez del tupper-ware.
Yo, en la escuela, hice aerobics muchas veces, pero en mi ignorancia, creia que hacia gimnasia. Afortunadamente, todo esto ya ha cambiado.
Hoy, los rioplatenses vivimos en un lugar mas moderno, y se nos nota el cambio simplemente cuando hablamos, lo cual es muy importante...
No es lo mismo decir bacon que tocino -aunque tenga igual de grasa-, ni vestibulo que hall y, cuando jugamos al polo, inconveniente no es lo mismo que handicap.
Las cosas, en otro idioma, mejoran mucho y tienen mayor presencia.
Desde que Nueva York es la capital del mundo, nadie es realmente moderno mientras no diga en ingles un minimo de cien palabras.
Desde ese punto de vista, los rioplatenses estamos ya completamente modernizados. Es mas, creo que hoy en el mundo no hay nadie que nos iguale. Porque, mientras en otros paises toman solo del ingles las palabras que no tienen, bien porque sus idiomas son pobres - cosa que no es nuestro caso - o bien porque pertenecen a lenguajes de reciente creacion, como el de la economia o el de la informatica, nosotros, mas generosos, hemos ido mas alla y hemos adoptado, incluso, las que no nos hacian falta.
Lo cual demuestra nuestra apertura y nuestra capacidad para superarnos.
Asi, ahora, por ejemplo, ya no decimos bizcochos, sino "cookies", que queda mucho mas fino, ni tenemos sentimientos, sino feelings, que es mucho mas elegante.
Y de la misma manera, sacamos tickets, compramos compacts, comemos sandwichs, vamos al pub, hacemos footing (nada de estar caminando asi nomas) y los domingos, cuando salimos al campo -que algunos, los mas modernos llaman country- en lugar de acampar como hasta ahora, hacemos camping. Y todo ello ya digo, con la mayor naturalidad y sin darle apenas importancia.
Obviamente, esos cambios de lenguaje han influido en nuestras costumbres y han cambiado nuestro aspecto, que ahora es mucho mas moderno y elegante.
Los rioplantenses ya no usan calzoncillos, sino slips, lo que nos permite desmostrar mejor nuestra hombría con más soltura que a nuestros padres; y cuando uno se afeita, a continuacion se echa after shave, que deja la cara mucho mas suave y fresca que el tonico que usaba mi abuelo.
En el "rio de la plata" la gente ya no corre, hace jogging; ya no estudia, hace masters; ya no estaciona, utiliza el parking.
En la oficina, el jefe ya no es el jefe; es el boss, y esta siempre en meetings con la public-relations o va a hacer business junto con su secretaria, o mas mejor, asistant. En su maletin de mano, al reves que los de antes, que lo llevaban repleto de papeles, lleva tan solo un telefono, una personal computer y un fax-modem, no lleva una agenda de papel sino un PalmTop, por si acaso.
La secretaria tampoco le va a la zaga. Aunque seguramente es de barrio humilde, hace mailings y trainings y cuando acaba el trabajo va al gimnasio a hacer fitness y aerobics.
Alli se encuentra con todas las de la jet, que vienen de hacerse liftings, y con alguna top-model amante del body-fitness y del yogourt light, y cuando acuden a un cocktail toman bitter y roast-beef, que, aunque parezca lo mismo, es mucho mas digestivo y engorda menos que la carne. En la television, entre tanto, ya nadie hace entrevistas ni presenta, como antes. Ahora hacen interviews y presentan magazines, en lugar de los programas de revistas que dan mucha mas presencia aunque aparezcan siempre los mismos y con los mismos collares. Si el presentador dice mucho O.K. y se mueve todo el rato, al magazine se le llama talk show -que es distinto de espectaculo-, y si este es un show porno, es decir, tiene carne, se le adjetiva de reality para quitarle la cosa podrida que tiene en castellano.
En las tandas, por supuesto, ya no nos ponen anuncios, sino spots, que, aparte de ser mejores, nos permiten cambiar de canal o hacer zapping. El mercado ahora es el marketing; el autoservicio, el self-service; el escalafon, el ranking; la carne, steak; y el representante, el manager.
Y desde hace algun tiempo, los importantes tambien son vips; los auriculares, walk-man; los puestos de venta, stands; los ejecutivos, yuppies; las niñeras baby-sitters, y los derechos de autor, royalties.
Para ser ricos del todo y quitarnos el complejo de pais tercermundista que tuvimos algun tiempo y que tanto nos avergonzaba, solo nos queda ya decir siesta (la unica palabra que el español ha exportado al mundo, lo que dice mucho a favor nuestro) con acento americano.
PS: se han omitido los acentos (of course), porque son un pathetic simbolo castellano, as you know.
(Desconozco su autor)
Ahora es mucho mas moderno. Durante muchos años, los rioplatenses estuvimos hablando en prosa sin enterarnos. Y, lo que es todavia peor, sin darnos cuenta siquiera de lo atrasados que estabamos.
Los niños leian revistas en vez de comics, los jovenes hacian fiestas en vez de parties, los estudiantes y gremialistas pegaban posters creyendo que eran carteles, los empresarios hacian negocios en vez de business, las secretarias usaban medias can-can en vez de panties, y los obreros, tan ordinarios, sacaban la fiambrera al mediodia en vez del tupper-ware.
Yo, en la escuela, hice aerobics muchas veces, pero en mi ignorancia, creia que hacia gimnasia. Afortunadamente, todo esto ya ha cambiado.
Hoy, los rioplatenses vivimos en un lugar mas moderno, y se nos nota el cambio simplemente cuando hablamos, lo cual es muy importante...
No es lo mismo decir bacon que tocino -aunque tenga igual de grasa-, ni vestibulo que hall y, cuando jugamos al polo, inconveniente no es lo mismo que handicap.
Las cosas, en otro idioma, mejoran mucho y tienen mayor presencia.
Desde que Nueva York es la capital del mundo, nadie es realmente moderno mientras no diga en ingles un minimo de cien palabras.
Desde ese punto de vista, los rioplatenses estamos ya completamente modernizados. Es mas, creo que hoy en el mundo no hay nadie que nos iguale. Porque, mientras en otros paises toman solo del ingles las palabras que no tienen, bien porque sus idiomas son pobres - cosa que no es nuestro caso - o bien porque pertenecen a lenguajes de reciente creacion, como el de la economia o el de la informatica, nosotros, mas generosos, hemos ido mas alla y hemos adoptado, incluso, las que no nos hacian falta.
Lo cual demuestra nuestra apertura y nuestra capacidad para superarnos.
Asi, ahora, por ejemplo, ya no decimos bizcochos, sino "cookies", que queda mucho mas fino, ni tenemos sentimientos, sino feelings, que es mucho mas elegante.
Y de la misma manera, sacamos tickets, compramos compacts, comemos sandwichs, vamos al pub, hacemos footing (nada de estar caminando asi nomas) y los domingos, cuando salimos al campo -que algunos, los mas modernos llaman country- en lugar de acampar como hasta ahora, hacemos camping. Y todo ello ya digo, con la mayor naturalidad y sin darle apenas importancia.
Obviamente, esos cambios de lenguaje han influido en nuestras costumbres y han cambiado nuestro aspecto, que ahora es mucho mas moderno y elegante.
Los rioplantenses ya no usan calzoncillos, sino slips, lo que nos permite desmostrar mejor nuestra hombría con más soltura que a nuestros padres; y cuando uno se afeita, a continuacion se echa after shave, que deja la cara mucho mas suave y fresca que el tonico que usaba mi abuelo.
En el "rio de la plata" la gente ya no corre, hace jogging; ya no estudia, hace masters; ya no estaciona, utiliza el parking.
En la oficina, el jefe ya no es el jefe; es el boss, y esta siempre en meetings con la public-relations o va a hacer business junto con su secretaria, o mas mejor, asistant. En su maletin de mano, al reves que los de antes, que lo llevaban repleto de papeles, lleva tan solo un telefono, una personal computer y un fax-modem, no lleva una agenda de papel sino un PalmTop, por si acaso.
La secretaria tampoco le va a la zaga. Aunque seguramente es de barrio humilde, hace mailings y trainings y cuando acaba el trabajo va al gimnasio a hacer fitness y aerobics.
Alli se encuentra con todas las de la jet, que vienen de hacerse liftings, y con alguna top-model amante del body-fitness y del yogourt light, y cuando acuden a un cocktail toman bitter y roast-beef, que, aunque parezca lo mismo, es mucho mas digestivo y engorda menos que la carne. En la television, entre tanto, ya nadie hace entrevistas ni presenta, como antes. Ahora hacen interviews y presentan magazines, en lugar de los programas de revistas que dan mucha mas presencia aunque aparezcan siempre los mismos y con los mismos collares. Si el presentador dice mucho O.K. y se mueve todo el rato, al magazine se le llama talk show -que es distinto de espectaculo-, y si este es un show porno, es decir, tiene carne, se le adjetiva de reality para quitarle la cosa podrida que tiene en castellano.
En las tandas, por supuesto, ya no nos ponen anuncios, sino spots, que, aparte de ser mejores, nos permiten cambiar de canal o hacer zapping. El mercado ahora es el marketing; el autoservicio, el self-service; el escalafon, el ranking; la carne, steak; y el representante, el manager.
Y desde hace algun tiempo, los importantes tambien son vips; los auriculares, walk-man; los puestos de venta, stands; los ejecutivos, yuppies; las niñeras baby-sitters, y los derechos de autor, royalties.
Para ser ricos del todo y quitarnos el complejo de pais tercermundista que tuvimos algun tiempo y que tanto nos avergonzaba, solo nos queda ya decir siesta (la unica palabra que el español ha exportado al mundo, lo que dice mucho a favor nuestro) con acento americano.
PS: se han omitido los acentos (of course), porque son un pathetic simbolo castellano, as you know.
(Desconozco su autor)
Kim Basinger
La rubia de oro, el mito sexual por excelencia de la década de los 80, los labios más sensuales de la historia del cine.
La actriz que se ha pasado más de media vida profesional intentando demostrar que no era solo una cara bonita y un cuerpo explosivo. Hablamos de la inolvidable protagonista de “Nueve semanas y media”, una de las películas eróticas más famosas de la historia del cine.
Esta incombustible mujer, nació el 8 de diciembre de 1953, en Athens, Georgia. (Estados Unidos). Nació en el seno de una familia numerosa, siendo ella la tercera de cinco hijos, aunque la mayor de las tres chicas. Su padre era director de una empresa financiera y su madre era ama de casa.
Eran una familia normal, o al menos eso parecía, hasta que una serie de hechos desencadenaron la ruptura de Kim, con su madre y parte de sus hermanos.
Su padre había sido músico de jazz antes de casarse, y su madre había sido una experta nadadora que incluso participó en los números acuáticos de la mítica Esther Williams.
Aunque parezca increíble, viéndola actuar, Kim era una niña tímida, muy tímida, hasta el punto en que llegaron a pensar si no sería autista. Pero en el fondo lo que le pasaba es que las tensiones entre sus padres y los desprecios de su padre hacia su persona, le hicieron encerrarse en su propio mundo.
Aún así cuando llegó a la adolescencia, Kim, trato de superarse, y con una enorme fuerza de voluntad, comenzó a presentarse a varios concursos de belleza. Lo hizo movida sobre todo por sus ganas de alejarse del pequeño y opresivo entorno de su pueblo natal. El primer concurso al que se presentó, fue el de Miss Athens Juvenil, en él se llevó al jurado de calle, no solo por su belleza física, que ya por entonces era mucha, sino porque interpretó el tema “Wouldn`t it be lovely” del musical My fair lady . Fue algo impresionante, sobre todo para su familia, que dudaba de su capacidad para casi todo.
Hay que decir, que aunque muy poca gente lo sepa, Kim Basinger, tiene una bonita voz, e incluso llegó a publicar un disco llamado “El color del sexo”, del que compuso la letra y la música de todas las canciones.
El triunfo le dio fuerzas para continuar, y así aunque luego no consiguiera ganar el segundo certamen de belleza al que se presentó, el título estatal de Miss Georgia Juvenil, no se desanimó. Se dio cuenta rápidamente de que lo suyo era la publicidad, y finalmente la gran pantalla.
Poco después se fue a Nueva York, con el presentimiento de que comenzaría a triunfar. Así fue, ganó un prestigioso concurso para convertirse en chica Breck, una popular marca de champú. Se puso por primera vez delante de una cámara para hacer el anuncio de tv, de este producto. Lo protagonizó junto a su madre, que todavía conservaba su belleza.
Lo mejor de su escapada a Nueva York, fue que allí conoció a Eileen Ford, que era la propietaria de nada más y nada menos que la Ford Modelling Agency, una de las más importantes del mundo. Nada más verla le propuso un contrato. Pero Kim, lo rechazó. Decidió en ese momento matricularse en la universidad de Georgia. A pesar de que ya tenía claro que quería ser actriz o cantante.
Pero poco después se dio cuenta de que podía triunfar en la pasarela, para luego dar el gran salto al cine, así que con solo 17 años se marchó de nuevo a La Gran Manzana, retomo contacto con Eileen Ford y entonces la contrató. Su carrera ascendió fulgurantemente, a los 3 años de llegar a Nueva York, ya se había convertido en una de las modelos más cotizadas de los Estados Unidos. Salió en las portadas de las mejores revistas de moda del momento y protagonizó varios y variados anuncio en televisión.
Pero a pesar de sus triunfos en la moda y en la pequeña pantalla, continuaba con la ilusión de convertirse en cantante, por eso de vez en cuando actuaba bajo seudónimo en algunos locales nocturnos de Grenwich Village. Se hacía llamar Chelsea.
A raíz de su aparición en los anuncios, comenzaron a llegarle ofertas para pequeños papeles en series de televisión. Así participó en “El comisario MacMillan”, “Los Ángeles de Charlie”, “katie portrait of a centerfold y “De aquí a la eternidad”, todas ellas en los últimos años de la década de los 70.
Entonces llegaría su gran oportunidad para debutar en el cine. Sería tras trasladarse a Los Ángeles, en que trabajaría en la película “Hard country” en 1981, junto a Jean-Michel Vincent. Durante el rodaje de esta película, conoció al que sería su primer marido, era maquillador del equipo de la película, se llamaba Ron Britton, y era 15 años mayor que ella. Le enamoró su veteranía en el mundillo cinematográfico. Ella era una novata, apenas comenzaba a abrirse paso.
Fue uno de los errores de su vida, a partir de ahí, los siguientes serían aireados por la prensa, convirtiéndose en grandes escándalos.
Tras el debut, su carrera se estancó un tanto, y entonces tomó una decisión muy arriesgada en su vida profesional y personal. Decidió posar desnuda para la revista Playboy. Fue en febrero de 1983. Los amigos de su entorno, le dijeron que probablemente esto conllevaría el que a partir de ese momento, sólo le ofrecerían papeles sin trascendencia, vacíos y de alto contenido erótico. Sin embargo, la rubia sabía que las consecuencias podían ser otras, y también que el que no se arriesga no gana. Jugo y ganó.
Al poco tiempo de la aparición de las fotos comenzaron a llegarle una serie de ofertas serias, para películas de calidad, junto a actores consagrados. Así participó en “Mother Lode”, con Charlton Heston. En “el hombre que amaba a las mujeres” junto a Burt Reynolds y fue una explosiva chica bond, en “Nunca digas nunca jamás“, junto al mejor agente 007 de la historia de este personaje: Sean Connery.
Poco a poco se fue forjando una reputación de buena actriz, que aún tardarían, en reconocer, pero que le iba dando a conocer al menos entre el público, y entre un buen sector de la crítica.
Siguiendo con su buena racha, actúo junto a Robert Redford,en “El Mejor” y al año siguiente junto a Sam Shepard en “Locos de amor”. En 1986 actúo por primera vez junto a Richard Gere, con el que repetiría en varias películas posteriores, en “Sin piedad”. Y entonces llegó la película, que por un lado le dio a conocer mundialmente, y le reportó la fama de sex-symbol, y por tanto le perjudicó, y por otro le benefició porque se hizo famosa inmediatamente. Fue “Nueve semanas y media” en la que junto a Mickey Rourke, protagonizó escenas subidas de tono, de lo más tórridas.
La idea de ser una sex-symbol, no le agradaba demasiado, así que decidió volver a las películas de suspense. Volvió a coincidir con Richard Gere, en “Atrapado sin salida”. Después actuaría en la primera parte de “Batman”, junto a Michael Keaton y Jack Nicholson, interpretando a la chica de la que se enamora el superhéroe murciélago, por su puesto. Durante el rodaje de la película, tuvo un romance con el productor de la película, Jon Peters, pero le dejó por el cantante Prince, que era el autor de la banda sonora. Se fueron a vivir juntos a Minneapolis.
Kim, casi llegó a cumplir su sueño de cantante, haciendo algunos coros en uno de los discos de Prince, y grabando con él el videoclip “Steamy Lover`s Dialogue”. Este romance le trajo la ruptura con su familia, excepto con su padre y su hermana Ashley. El resto no vió con buenos ojos que una pariente suya, saliera con un chico de color. Además, en aquellos momentos Kim, tuvo que enfrentarse a un litigio, por rechazar un trabajo, para el que ya se había comprometido. Se negó a rodar “Mi obsesión por Helena”, porque alegó que había en ella un alto contenido erótico. En realidad, la película, era bastante fuerte, porque trataba de un médico que se enamora de una chica y le corta las piernas y los brazos para que no le abandone nunca.
Después tendría unos cuantos deslices en la taquilla,con películas como “Cita a ciegas” comedia que protagonizó junto a Bruce Willis, “Nadine”, o “Mi novia es una extraterrestre” junto a Dan Akroyd.
En 1990 conocería al que se convertiría en su marido, Alec Baldwin, trabajando con él en “Ella siempre dice sí”, el título del film fue una premonición. Comenzaron un sonado romance, para casarse en 1993 y completar la familia dos años después, con la llegada al mundo de su hija, Ireland Eliesse. Empezó una etapa de estabilidad para Kim.
Kim participó en algunas películas que tuvieron cierto éxito entre la crítica, pero no por sus actuaciones, sino por otros aspectos,una de ellas fue “Cool World”, en la que se mezclaban dibujos animados y película. Tuvo buenas críticas por los efectos especiales.
En 1991 rodó “Análisis final” en el que compartió protagonismo de nuevo con Richard Gere.
En 1992, rodaría de nuevo junto a su pareja, un remake de “La Huida”, de bastante menos calidad. Al parecer los rodajes con ambos eran insoportables, por sus constantes caprichos, y peleas.
En marzo de 1993, los tribunales, le impusieron pagar una indemnización de 8,1 millones de dólares, para la productora “Main Line Pictures” de la película que se negó a rodar años antes. Ella se declaró insolvente, pero tuvo que airear todos sus gastos, y tuvo que deshacer la sociedad que había creado en el pueblecito que había comprado, por 20 millones de dólares. Los habitantes de Braselton, que habían invertido sus ahorros en la sociedad de Kim, se arruinaron. Al final se llegó a un acuerdo fuera de los tribunales. El tema fue olvidado.
Cuando en 1994, al fin, Kim, supo que ya no tendría que pagar la indemnización, se retiró del mundo del cine, por unos años, para recapacitar y descansar. Rechazó muchos proyectos, entre ellos el de “L.A. Confidential” porque en ella tenía que encarnar a una prostituta de lujo. Pensaba, que le perjudicaría. Pero cuando al fin, Curtis Hanson, el director de la película la convenció, nunca se arrepintió, porque el papel de prostituta de gran parecido con Veronica Lake, le reportó el hasta ahora único Óscar de su carrera, y el tan ansiado reconocimiento por parte del público. Le costó tres años decidirse, pero cuando se metió en la piel del personaje se dio cuenta de que era uno de los más importantes de su carrera. Y lo bordó, demostrando que su magia sigue intacta, al igual que su belleza y que talento tiene, y mucho.
Su penúltima película fue “Soñé con África”, para cuyo rodaje se trasladó al continente africano, con su familia, pasando una de las peores etapas de su vida, porque según ella África está llena de peligros. Pero también fue maravilloso, porque estaba con su marido y su hija, prácticamente todo el día. Fue una experiencia única para ella.
La última película que ha rodado, de próximo estreno en nuestro país, es “La bendición" película en la que se trata la eterna lucha entre las fuerzas del bien y del mal, a través de los poderes de una niña, que adoptará Kim Basinger. El argumento promete.
Para terminar hay que decir que sentimentalmente, Kim, no está pasando por un buen momento, ya que su marido y ella acaban de separarse y de presentar los papeles del divorcio, alegando “diferencias irreconciliables”, tras siete años de un matrimonio, que parecía perfecto.
Confiemos en que este triste hecho no afecte a su manera de actuar, cada vez más madura, y reflexiva, y que nos siga deleitando a todos con su talento y belleza.
(Desconozco su autor)
La actriz que se ha pasado más de media vida profesional intentando demostrar que no era solo una cara bonita y un cuerpo explosivo. Hablamos de la inolvidable protagonista de “Nueve semanas y media”, una de las películas eróticas más famosas de la historia del cine.
Esta incombustible mujer, nació el 8 de diciembre de 1953, en Athens, Georgia. (Estados Unidos). Nació en el seno de una familia numerosa, siendo ella la tercera de cinco hijos, aunque la mayor de las tres chicas. Su padre era director de una empresa financiera y su madre era ama de casa.
Eran una familia normal, o al menos eso parecía, hasta que una serie de hechos desencadenaron la ruptura de Kim, con su madre y parte de sus hermanos.
Su padre había sido músico de jazz antes de casarse, y su madre había sido una experta nadadora que incluso participó en los números acuáticos de la mítica Esther Williams.
Aunque parezca increíble, viéndola actuar, Kim era una niña tímida, muy tímida, hasta el punto en que llegaron a pensar si no sería autista. Pero en el fondo lo que le pasaba es que las tensiones entre sus padres y los desprecios de su padre hacia su persona, le hicieron encerrarse en su propio mundo.
Aún así cuando llegó a la adolescencia, Kim, trato de superarse, y con una enorme fuerza de voluntad, comenzó a presentarse a varios concursos de belleza. Lo hizo movida sobre todo por sus ganas de alejarse del pequeño y opresivo entorno de su pueblo natal. El primer concurso al que se presentó, fue el de Miss Athens Juvenil, en él se llevó al jurado de calle, no solo por su belleza física, que ya por entonces era mucha, sino porque interpretó el tema “Wouldn`t it be lovely” del musical My fair lady . Fue algo impresionante, sobre todo para su familia, que dudaba de su capacidad para casi todo.
Hay que decir, que aunque muy poca gente lo sepa, Kim Basinger, tiene una bonita voz, e incluso llegó a publicar un disco llamado “El color del sexo”, del que compuso la letra y la música de todas las canciones.
El triunfo le dio fuerzas para continuar, y así aunque luego no consiguiera ganar el segundo certamen de belleza al que se presentó, el título estatal de Miss Georgia Juvenil, no se desanimó. Se dio cuenta rápidamente de que lo suyo era la publicidad, y finalmente la gran pantalla.
Poco después se fue a Nueva York, con el presentimiento de que comenzaría a triunfar. Así fue, ganó un prestigioso concurso para convertirse en chica Breck, una popular marca de champú. Se puso por primera vez delante de una cámara para hacer el anuncio de tv, de este producto. Lo protagonizó junto a su madre, que todavía conservaba su belleza.
Lo mejor de su escapada a Nueva York, fue que allí conoció a Eileen Ford, que era la propietaria de nada más y nada menos que la Ford Modelling Agency, una de las más importantes del mundo. Nada más verla le propuso un contrato. Pero Kim, lo rechazó. Decidió en ese momento matricularse en la universidad de Georgia. A pesar de que ya tenía claro que quería ser actriz o cantante.
Pero poco después se dio cuenta de que podía triunfar en la pasarela, para luego dar el gran salto al cine, así que con solo 17 años se marchó de nuevo a La Gran Manzana, retomo contacto con Eileen Ford y entonces la contrató. Su carrera ascendió fulgurantemente, a los 3 años de llegar a Nueva York, ya se había convertido en una de las modelos más cotizadas de los Estados Unidos. Salió en las portadas de las mejores revistas de moda del momento y protagonizó varios y variados anuncio en televisión.
Pero a pesar de sus triunfos en la moda y en la pequeña pantalla, continuaba con la ilusión de convertirse en cantante, por eso de vez en cuando actuaba bajo seudónimo en algunos locales nocturnos de Grenwich Village. Se hacía llamar Chelsea.
A raíz de su aparición en los anuncios, comenzaron a llegarle ofertas para pequeños papeles en series de televisión. Así participó en “El comisario MacMillan”, “Los Ángeles de Charlie”, “katie portrait of a centerfold y “De aquí a la eternidad”, todas ellas en los últimos años de la década de los 70.
Entonces llegaría su gran oportunidad para debutar en el cine. Sería tras trasladarse a Los Ángeles, en que trabajaría en la película “Hard country” en 1981, junto a Jean-Michel Vincent. Durante el rodaje de esta película, conoció al que sería su primer marido, era maquillador del equipo de la película, se llamaba Ron Britton, y era 15 años mayor que ella. Le enamoró su veteranía en el mundillo cinematográfico. Ella era una novata, apenas comenzaba a abrirse paso.
Fue uno de los errores de su vida, a partir de ahí, los siguientes serían aireados por la prensa, convirtiéndose en grandes escándalos.
Tras el debut, su carrera se estancó un tanto, y entonces tomó una decisión muy arriesgada en su vida profesional y personal. Decidió posar desnuda para la revista Playboy. Fue en febrero de 1983. Los amigos de su entorno, le dijeron que probablemente esto conllevaría el que a partir de ese momento, sólo le ofrecerían papeles sin trascendencia, vacíos y de alto contenido erótico. Sin embargo, la rubia sabía que las consecuencias podían ser otras, y también que el que no se arriesga no gana. Jugo y ganó.
Al poco tiempo de la aparición de las fotos comenzaron a llegarle una serie de ofertas serias, para películas de calidad, junto a actores consagrados. Así participó en “Mother Lode”, con Charlton Heston. En “el hombre que amaba a las mujeres” junto a Burt Reynolds y fue una explosiva chica bond, en “Nunca digas nunca jamás“, junto al mejor agente 007 de la historia de este personaje: Sean Connery.
Poco a poco se fue forjando una reputación de buena actriz, que aún tardarían, en reconocer, pero que le iba dando a conocer al menos entre el público, y entre un buen sector de la crítica.
Siguiendo con su buena racha, actúo junto a Robert Redford,en “El Mejor” y al año siguiente junto a Sam Shepard en “Locos de amor”. En 1986 actúo por primera vez junto a Richard Gere, con el que repetiría en varias películas posteriores, en “Sin piedad”. Y entonces llegó la película, que por un lado le dio a conocer mundialmente, y le reportó la fama de sex-symbol, y por tanto le perjudicó, y por otro le benefició porque se hizo famosa inmediatamente. Fue “Nueve semanas y media” en la que junto a Mickey Rourke, protagonizó escenas subidas de tono, de lo más tórridas.
La idea de ser una sex-symbol, no le agradaba demasiado, así que decidió volver a las películas de suspense. Volvió a coincidir con Richard Gere, en “Atrapado sin salida”. Después actuaría en la primera parte de “Batman”, junto a Michael Keaton y Jack Nicholson, interpretando a la chica de la que se enamora el superhéroe murciélago, por su puesto. Durante el rodaje de la película, tuvo un romance con el productor de la película, Jon Peters, pero le dejó por el cantante Prince, que era el autor de la banda sonora. Se fueron a vivir juntos a Minneapolis.
Kim, casi llegó a cumplir su sueño de cantante, haciendo algunos coros en uno de los discos de Prince, y grabando con él el videoclip “Steamy Lover`s Dialogue”. Este romance le trajo la ruptura con su familia, excepto con su padre y su hermana Ashley. El resto no vió con buenos ojos que una pariente suya, saliera con un chico de color. Además, en aquellos momentos Kim, tuvo que enfrentarse a un litigio, por rechazar un trabajo, para el que ya se había comprometido. Se negó a rodar “Mi obsesión por Helena”, porque alegó que había en ella un alto contenido erótico. En realidad, la película, era bastante fuerte, porque trataba de un médico que se enamora de una chica y le corta las piernas y los brazos para que no le abandone nunca.
Después tendría unos cuantos deslices en la taquilla,con películas como “Cita a ciegas” comedia que protagonizó junto a Bruce Willis, “Nadine”, o “Mi novia es una extraterrestre” junto a Dan Akroyd.
En 1990 conocería al que se convertiría en su marido, Alec Baldwin, trabajando con él en “Ella siempre dice sí”, el título del film fue una premonición. Comenzaron un sonado romance, para casarse en 1993 y completar la familia dos años después, con la llegada al mundo de su hija, Ireland Eliesse. Empezó una etapa de estabilidad para Kim.
Kim participó en algunas películas que tuvieron cierto éxito entre la crítica, pero no por sus actuaciones, sino por otros aspectos,una de ellas fue “Cool World”, en la que se mezclaban dibujos animados y película. Tuvo buenas críticas por los efectos especiales.
En 1991 rodó “Análisis final” en el que compartió protagonismo de nuevo con Richard Gere.
En 1992, rodaría de nuevo junto a su pareja, un remake de “La Huida”, de bastante menos calidad. Al parecer los rodajes con ambos eran insoportables, por sus constantes caprichos, y peleas.
En marzo de 1993, los tribunales, le impusieron pagar una indemnización de 8,1 millones de dólares, para la productora “Main Line Pictures” de la película que se negó a rodar años antes. Ella se declaró insolvente, pero tuvo que airear todos sus gastos, y tuvo que deshacer la sociedad que había creado en el pueblecito que había comprado, por 20 millones de dólares. Los habitantes de Braselton, que habían invertido sus ahorros en la sociedad de Kim, se arruinaron. Al final se llegó a un acuerdo fuera de los tribunales. El tema fue olvidado.
Cuando en 1994, al fin, Kim, supo que ya no tendría que pagar la indemnización, se retiró del mundo del cine, por unos años, para recapacitar y descansar. Rechazó muchos proyectos, entre ellos el de “L.A. Confidential” porque en ella tenía que encarnar a una prostituta de lujo. Pensaba, que le perjudicaría. Pero cuando al fin, Curtis Hanson, el director de la película la convenció, nunca se arrepintió, porque el papel de prostituta de gran parecido con Veronica Lake, le reportó el hasta ahora único Óscar de su carrera, y el tan ansiado reconocimiento por parte del público. Le costó tres años decidirse, pero cuando se metió en la piel del personaje se dio cuenta de que era uno de los más importantes de su carrera. Y lo bordó, demostrando que su magia sigue intacta, al igual que su belleza y que talento tiene, y mucho.
Su penúltima película fue “Soñé con África”, para cuyo rodaje se trasladó al continente africano, con su familia, pasando una de las peores etapas de su vida, porque según ella África está llena de peligros. Pero también fue maravilloso, porque estaba con su marido y su hija, prácticamente todo el día. Fue una experiencia única para ella.
La última película que ha rodado, de próximo estreno en nuestro país, es “La bendición" película en la que se trata la eterna lucha entre las fuerzas del bien y del mal, a través de los poderes de una niña, que adoptará Kim Basinger. El argumento promete.
Para terminar hay que decir que sentimentalmente, Kim, no está pasando por un buen momento, ya que su marido y ella acaban de separarse y de presentar los papeles del divorcio, alegando “diferencias irreconciliables”, tras siete años de un matrimonio, que parecía perfecto.
Confiemos en que este triste hecho no afecte a su manera de actuar, cada vez más madura, y reflexiva, y que nos siga deleitando a todos con su talento y belleza.
(Desconozco su autor)
sábado, noviembre 04, 2006
La nostalgia de aquellos años '60 en Venezuela
Moda Y Música
La relativa similitud entre el vestido masculino y el femenino, que se había manifestado alrededor de 1930-1940 con la adopción por algunas mujeres del traje «sastre» (o tailleur), culmina a partir de los años 1960 en el bluyín, verdadera prenda unisex. En las últimas décadas, la tendencia general en muchos países hacia una mayor informalidad en el vestir corriente, junto con la eliminación de algunas restricciones (prohibición de entrar en cines y restaurantes sin saco y corbata, etc.), se unieron en Venezuela al reconocimiento de que éste es un país de clima tropical para que el saco y la corbata se vayan haciendo cada vez más raros en muchos medios, entre ellos el universitario. La competencia entre los fabricantes de ropa hecha ha conducido a una gran variedad de colores y detalles dentro de la uniformidad del estilo informal dominado aún por el bluyín, así como en los estilos más tradicionales. Mientras la diferencia entre los sexos disminuye, en lo que concierne al vestido, aumenta la existente entre las generaciones.
Los sesenta traen la otra revolución. Surge el concepto de la ropa joven, divertida y experimental. El lujo y el glamour quedan atrás. Ahora es el turno de la extravagancia y la psicoledia. La cultura POP marca el camino de la moda con el uso de estampados y materiales como el plástico. Llegan las gafas grandes, de pasta y los cinturones anchos. El exitoso debut de la minifalda, es uno de los hechos claves de esta década, en lo que a moda se refiere.
Las mujeres se demarcan los ojos con gruesas líneas negras. El cabello se usa corto o con cortes geométricos. También se usa largo con postizos. Se combinan todos los colores.
En los últimos años de esta década hacen su aparición los HIPPIES. Los impulsores de este movimiento que promulga "la paz y el amor" son los primeros en reciclar la moda y crear estilos individuales, con dibujos psicolédicos e imágenes relacionadas con los efectos de alucinógenos.
Hombres y mujeres usan los pantalones de campana (ceñidos hasta la rodilla y luego anchos). Las blusas de algodón también se imponen.
Con nombres que cambian de país a país, los jeans, vaqueros, pantalones de mezclilla o téjanos son los mejores compañeros del hombre actual. Cómodos, fáciles de combinar y muy prácticos esta prenda es una de las pocas que nunca pasó de moda y siempre se conservará como un elemento esencial en el ropero de todo hombre y mujer.
En los años sesentas los jeans simbolizaron la rebeldía de la juventud y en los setentas representaban la igualdad de clases.
En cuanto a la música, la orquesta Billo's Caracas Boys actuó en los más vistos y exitosos programas de televisión: Cita con Saume (1960), Esta Noche Billo (1961).
Como resultado de una serie de medidas aplicadas contra el Maestro Billo, la orquesta paraliza sus actividades en 1958, para volver a reunirse y reaparecer el 14 de julio de 1960. Allí empieza lo que Billo llamaba jocosamente la tercera república, es decir la tercera etapa de su actividad musical en Venezuela.
Fue la época en que Billo presenta como bolerista a Felipe Pirela, joven marabino de 17 años, quien venía de actuar con la orquesta Los Peniques en el famoso Show de las Doce, animado por Víctor Saume, y como guarachero a Cheo García.
Uno de los primeros éxitos de Felipe Pirela fue el bolero de Italo Pizzolante "Puerto Cabello", así como también "Caraqueñita", "No Vale la Pena", "Por la Vuelta", "Para qué recordar", "Quisqueya", Pobre del Pobre", El Malquerido", "Sombras" y los Mosaicos del 1 al 10, con los cuales inició una serie interminable de éxitos en el ámbito nacional e internacional.
Por su parte Cheo García se convirtió en uno de los guaracheros más populares de toda la región del Caribe, infinidad de actuaciones y grabaciones (más de 400) que se convirtieron en grandes éxitos discográficos, siendo las más populares "Ariel", "La Vaca Vieja", "Compadrito", "Caballo Alazán, "Al Paso", "Bacosó", "Jardinero", "Canto a Caracas", "Pájaro Picón" y los Mosaicos, del 1 al 48, etc.
La primera grabación de Cheo García con la orquesta Billos fue el tema musical "El Pájaro Chogüi", popularizado por Néstor Zavarce.
Al irse Felipe Pirela, entra José Luis Rodríguez, quien había formado parte del grupo Los Zeppys, en septiembre de 1963. José Luis Rodríguez permaneció con la orquesta Billo's Caracas Boys por espacio de tres años, hasta 1966. Siendo sus grandes éxitos ""Vida Consentida", "Quiero Verte Una Vez Más", "Charlemos", "Tarde Gris", "Nada", "Un Cigarrillo, la Lluvia y Tú", "Y qué Quieres", "El Mundo", "Nuestro Balance" y muchas otras.
Al retirarse José Luis Rodríguez, en el año 1967, ingresa a la Billos otro maracucho Memo Morales quien si tuvo una actuación prolongada, con voz y talento especial para cantar los aires españoles, razón por la cual se le llama "El Gitano Maracucho" logrando éxitos como los pasodobles "Fea", "Ni Se Compra Ni Se Vende", "Cuña Cañi", "Si Vas a Calatayud", "Adiós España", y los boleros morunos "Niña Isabel", "Te Lo Juro Yo", "Mambo Moruno", entre otros.
BILLO’S CARACAS BOYS: Orquesta fundada en 1940 en Caracas por el dominicano Luis María Frometa, conocido como "Billo", en momentos en que la Lecuona Cuban Boys era la agrupación más famosa de la música caribeña. Interpretando merengues, rumbas, boleros y otros ritmos del caribe se transformó en un verdadero símbolo de la música caraqueña. En sus filas se iniciaron dos de los más famosos cantantes venezolanos: Felipe Pirela en 1960, y el "Puma" José Luis Rodríguez en 1963.
Tito Rodríguez fue el líder absoluto de la música caribeña en los primeros años de los 60. La Orquesta de Tito Rodríguez contaba con dos de los músicos cubanos más importantes de la época Israel López "Cachao" y René Hernández, el primer trompeta por excelencia de Latinoamérica Víctor Paz y otros músicos de primera línea en cada instrumento. Rodríguez cultivó el Cha cha chá y la Pachanga como gancho comercial, pero también supo darle su toque mágico al Mambo y al Bolero. Para el año 1963 Tito grabó en Venezuela el último disco con su Big Band titulado En Puerto Azul donde incluyó una versión magistral del tema La Pollera Colora.
Desde el 1963 Rodríguez tomó la ruta de grabar los Boleros más importantes del repertorio latinoamericano acompañado por una orquesta monumental dominada por cuerdas y dirigida por el maestro Lerroy Holmes. El primer tema que impactó en el mercado latinoamericano fue Inolvidable del compositor cubano Julio Gutiérrez. De ahí en adelante todo lo que grabó en este género vendió millones de copias en las Latinoamérica y Tito se convirtió en el cantante del amor por excelencia en el caribe.
Tito Rodríguez murió en el 1972
En la primera parte de la década de los 60 el gran músico boricua Ray Barreto comandó La Charanga Moderna la que se adelantó al estilo salsoso de los 70. Barretto incorporó a la Charanga cubana una trompeta y un trombón, este último, instrumento que marcaría definitivamente el perfil sonoro de la Salsa en la próxima década. Barreto también, al igual que Joe Cuba con el tema Salsa y Bembe, fue uno de los primeros músicos de Nueva York que utilizó la palabra Salsa en un tema musical, Salsa y Dulzura.
El 1964 es la fecha de la decadencia de la Pachanga y con ella las Charangas y los Big Bands Latinos.
En ese año Johnny Pacheco abandonó el formato de Charanga y a la disquera Alegre para formar un Conjunto de Son y emprender la monumental empresa de fundar un sello disquero en Nueva York, Fania. Pacheco se asoció con su abogado Jerry Massuci y fundaron la Fania que, con el pasar de los años, se convertiría en la compañía de discos por excelencia al hablar de Salsa. En este sello publicó el disco Johnny Pacheco y su Nuevo Tumbao - Cañonazo, el nombre de la disquera surgió de un viejo son del cubano Reinaldo Bolaño titulado Fania, el cual estaba incluido en dicho disco.
En el período que va del 1964 al 1967, la música caribeña no tiene un rumbo definido e incluso la industria americana del disco cierra sus oídos al Caribe. Dicha industria se ubica en Brasil, donde el Bossa Nova (una samba suavizada para al oído americano) despega en grande vendiendo millones de discos en Estados Unidos y el resto del mundo.
Surgen los Jam Sessions o Descargas de música latina en Nueva York, bajo la batuta de Charlie Palmieri, La Tico All Stars da el primer paso, estas reuniones musicales se basan en las ideas y el trabajo musical que grabó Ismael López "Cachao" y otros músicos cubanos para el sello Panart de Cuba desde el 1956. En estas descargas se integran músicos Cubanos, "Newyoricans" y Norteamericanos para ejecutar de manera libre y espontánea música basada en los géneros cubanos tradicionales pero con elementos de improvisación del Jazz. Estos trabajos, aplaudidos por los melómanos pero el público general no le dio mucha importancia, pasaron "sin pena ni gloria" para el mundo musical de los 60.
Nace el Bugalú, primer estilo producido en Nueva York en el que se mezclan los ritmos afro-cubanos con el Rhythm and Blues y otras influencias musicales popularizadas por los negros americanos a principios del 60. El Bugalú fue un género que tuvo su cumbre con el pianista Pete Rodríguez y el tema Micaela que popularizó la frase "I like it like that". Por su parte Joe Cuba fue un triunfador de este estilo con los temas "Bang Bang" y "El Pito". Ray Barreto nos dejó para la historia "El Watusi". El Bugalú fue cultivado por las orquestas latinas más importantes, sin importar su dotación instrumental, podemos mencionar la orquesta Broadway, Cortijo y su Combo, Tito Puente y Eddie Palmieri.
También se impone el Jala Jala bajo la batuta de Ricardo Ray gracias a su disco Jala Jala y Boogaloo y otras agrupaciones como El Gran Combo se destacan y logran grandes éxitos con sus grabaciones de estos ritmos. Además, en Nueva York y el Caribe se escuchan los ritmos de El Shingalin, El Pata Pata y La Mazucamba.
Fue dentro de esta amalgama de estilos que surgen los primeros destellos musicales de lo que sería la Salsa. Un ejemplo importante nos los provee el cantante puertorriqueño Mon Rivera, quien con su estilo de cantar sumamente picaresco y de burla social crea una brecha entre el cantar de salón de un Tito Rodríguez y el cantar del barrio que muchos cantantes de la Salsa asumirían en los 70; además, su banda fue la primera basada en trombones.
Tito Puente y La Lupe, junto a Eddie Palmieri y Joe Cuba son los músicos más importante de este período porque su música es una síntesis de los estilos musicales de Nueva York y todo el Caribe.
La Lupe una cantante cubana exiliada que con su canto estridente, hiriente, lleno de mañanas y giros da los primeros toques de lo que sería el canto salsoso en sus primeras años, música irreverente y violenta. La Lupe interpreta guarachas, bombas, sones, joropos, boleros que sirven como puente entre los viejos estilos cubanos con el nuevo enfoque de enfrentar los mismos desarrollados en Nueva York, que con el tiempo se llamaría Salsa. Una vez la Salsa está definida plenamente en los 70, La Lupe pierde vigencia, pues su función de transición estilística sonera ya no es necesaria.
El sexteto de Joe Cuba fue la agrupación que mejor representó este período de experimentación con distintos estilos musicales y de manifestación primaria de una música caribeña con claros matices americanos, la música de los neoyorquina, el Bugalú. Además, sus presentaciones arrolladoras en los salones de baile y sus discos, que eran éxitos al instante, le dieron a esta agrupación el rango de inigualable por su agarre en el fervor del público latino.
El gran éxito que lograban los cantantes que venían con las orquestas de la isla caribeña, como Celia Cruz, Daniel Santos, Leo Marini y otros estimuló a estas agrupaciones a incluir canciones venezolanas en su repertorio, siendo la más recordada de aquella época la versión de "El Muñeco de la Ciudad", grabada por la Sonora Matancera.
El éxito de estas agrupaciones trajo consigo que muchos venezolanos incursionaran en estas formas musicales y que algunos de ellos lograran entrar en ese nuevo mercado. Uno de los cantantes que tuvo más suerte fue Víctor Piñero, que llegó a grabar y lograr un sitial importante con la Sonora Matancera.
Sonora Matancera y Celia Cruz
ALFREDO SADEL, su nombre verdadero era Alfredo Sánchez Luna; el "Sadel" surgió de la primera sílaba de su apellido y la última de Gardel, cantante al que admiraba profundamente. Nació en Caracas el 22 de Febrero de 1930. Su primera actividad artística fue la pintura, pero su voz de tenor lo llevó a la música. En 1962, en lo más alto de su fama, decidió dedicarse exclusivamente a la lírica, cantando óperas y zarzuelas.
HÉCTOR CABRERA, cantante conocido como 'El Poeta de la Canción'. A lo largo de la década de 1960 sus discos suenan en toda Latinoamérica. Actuó en películas en México, Colombia y Puerto Rico, destacándose "Canta mi Corazón", con Libertad Lamarque, "Cucurrucucú Paloma", junto a Pedro Vargas, "Las Hijas de Elena", "El Pícaro Amador". Participó además en telenovelas venezolanas.
MARÍA TERESA CHACÍN, se inició en los 60 como solista en el coro de la Universidad Central de Venezuela, destacándose en el Primer Festival Mundial de Coros Universitarios celebra do en el Lincoln Center de New York en el año 1965. Su carrera solista comprende gran cantidad de discos grabados con temas de compositores como Armando Manzanero, Chico Navarro y otros.
MIRTHA PÉREZ se inició en concursos de aficionados organizados por la radio La Voz de la Patria, y desde 1963 cantó en hoteles y locales nocturnos. Se integró luego como voz principal en el Trío Los Naipes. En 1966 grabó como solista una serie de LP llamados "Mirtha Solita". Ganadora del Festival de Viña del Mar de 1968, se consagró al año siguiente en Argentina interpretando "La Nave del Olvido", de Dino Ramos, en el Festival Buenos Aires de la Canción, donde obtuvo el segundo lugar. Protagonizó la película "Los Mochileros". Continúa activa. Temas exitosos: "La Luna y el Toro", "Esos Ojitos Negros", "Me Hace Falta tu Calor", "Maldita Seas", "Cuando me Enamoro", "Cuando Digo que te Amo", "Acompáñame" (en dúo con Héctor Cabrera), "Nadita de Nada.
TRINO MORA, comienza a cantar en los Estados Unidos donde cursaba estudios en la Academia Militar de la Florida. Realizo estudios de Economía, los cuales deja para regresar a Venezuela, donde forma el grupo Los Duendes en 1964. En 1965 debuta como solista en el programa de TV El Club Del Clan. Inicio estudios de Psicología en la UCAB los cuales no termino. En 1967 grabo su primer LP y participo en el Primer Festival Pop en Caracas, acompañado por Los 007. En 1968 participo en el Festival del Nuevo Circo de Caracas. En 1969 triunfa en el Primer Festival de La Voz Juvenil de Venezuela, en Maracay (Estado Aragua). En 1970 obtiene el 4to. Lugar en el Festival Internacional de la Canción de Chiclayo, en Perú y participo en el Festival Impulso de Nuevos Valores Sus éxitos: Catira; Dime Adiós, Tengo Que Ser Yo, Soy Tremendo, Mi Tristeza, Amor Libre, No Olvides Recordarme, Del Amor El Recuerdo, Libera Tu Mente, Sé Tu Mismo, En Primavera a dúo con Nancy Ramos, Control De Natalidad, Medio Ambiente, Mi Continuación, Sigue Adelante, Mi Corazón, Hombre Formal, Yo Te Haré Falta, El Carite (versión), Para Que Dinero, Te Quiero Todavía, Dentro De Tus Sentidos, Te Voy A Enseñar A Hacer El Amor, Nocturnal, Las Flores De La Distancia, Como Fue, Venezolano De La Boca Para afuera, Donde Hay Amor Hay Fuego, Ámame o Tómame, Educación Sexual, Déjame Entrar, Comentarios, Volvamos A Empezar.
CHERRY NAVARRO o mejor dicho Alexis Enrique Navarro Velásquez, hijo de Don Manuel Rafael Navarro y Doña María de Jesús de Navarro. Nació el 9 de julio de 1944 en Caripito, Estado Monagas, y desde niño soñó con ser artista. Su destino estaba escrito, pues lo logró.
Su manera extravagante de vestir pero con mucha elegancia, fue reflejo de su personalidad festiva y alegre, por ello jamás se imaginaba su publico que sin previo aviso, el dolor fuese a invadir aquel rostro dado a las mejores sonrisas. Una enfermedad terrible se apoderó de su cuerpo sin despertar sospechas. Fue inesperado. Un ataque injusto que resultó mortal. Tras días de penumbra, la noticia dejó atónito al pueblo que lo admiraba. El jueves 28 de septiembre de 1967, el Hospital Vargas de Caracas, anunciaba su muerte. Dejaba una historia llena de vivencias. Se había marchado el ídolo de la juventud, el amigo al que nunca le faltó la sonrisa. Cherry dejó una huella imborrable en los corazones de quienes le escucharon y admiraron.
GERMÁN YECIK FREITES TORRES. Nació el 28 Mayo 1943 en Los Teques, Estado Miranda. Cantante, actor y locutor y animador de TV. Fue conocido como El Ganador de Festivales. Debutó como solista en 1965. Cantó por primera vez en la TV con el Conjunto Infantil dirigido por Fanny Newman en Al Compás De Lo Nuevo por Teletrece en Valencia (Edo. Carabobo). En 1967 participó en el programa especial de TV El Angelito Mas Pequeño, donde hizo el papel del ángel comprensivo y canto el tema del cuento original del maestro Aldemaro Romero. En 1968 graba su primer LP. En 1969 participa en varios Festivales: Triunfa en el Primer Festival Internacional de la Canción en Caracas con el tema Vendrán Nuevos Días. Triunfó en el V Festival Venezolano de la Canción Moderna con el tema Yo Era Un Niño. Triunfa en el V Festival del Atlántico en Tenerife, Islas Canarias y obtiene el 2do lugar en el IV. Éxitos: Sueño, Solo A Ti, Lo Que El Abuelo Cantaba, Serás Mi Amor, De Que Color Es La Piel De Dios, Manantial, Locura De Vivir, Caminando Solo, Pensándolo Bien, Duerme Niña, Tengo Penas, Tu Torre De Papel.
RENNY OTOLINA, CHERRY NAVARRO Y CHELIQUE SARABIA
El sonido del rock and roll hacia mediados de 1963 le correspondió a la secuela surf, y a los aires de playa del oeste norteamericano. California fue el paraíso de los jóvenes, de las chicas en bikini, los automóviles, las fiestas y la música fácil de escuchar. El surf fue el sonido del verano. Al principio una forma de deporte, luego moda y finalmente se transformó en mainstream musical. El estandarte fue la agrupación The Beach Boys, cinco jóvenes de Los Ángeles, seguidores del deporte consistente en deslizarse en una tabla sobre las olas, pero que además decidieron formar una banda.
En Venezuela muchos grupos se inspiraron en la estructura de temas surf. Llegaron constantemente los films ambientados en las playas californianas y en la TV tuvo gran receptividad una serie cuyas historias se basaron en la vida de jóvenes detectives vinculados a la onda surfista, 77 Sunset Strip, Hawain Eye.
La banda emblemática de estos primeros años de rock and roll y surf en Venezuela son Los Supersónicos. Su historia se remonta al año 1961, la idea surge en la Escuela Industrial de Los Chaguaramos donde, además de ensayar, ensamblaron sus instrumentos (guitarras acústicas con micrófonos incorporados). En sus inicios con el ánimo de lograr notoriedad y llamar la atención realizan conciertos callejeros, ejecutan toques en el la entrada de Radio Caracas Radio, paralizando el tráfico automotor en la Avenida Páez de la Urbanización El Paraíso e igualmente suceso lo logran en la Avenida Principal de Sabana Grande.
Originalmente fueron Armando Veitía (guitarra y voz), Mauro Pérez (teclados), Enrique Piñero (segunda guitarra y voz), quien fue sustituido por Pablo Díaz 'Ivo' (guitarra y voz), Nelsón Ruiz (batería), Esteban Ruiz (voz) y Alexis Hernández (inicialmente segunda guitarra, para luego pasar al bajo). Posteriormente pasaron por sus filas Carlos Cisneros (piano), Rafael López 'El Mexicano' (guitarra), que venía de ser integrante de Los Dangers y los hermanos Lenin y Freddy Brea (guitarra y bajo, respectivamente).
Su debut televisivo se dio durante el año 1963 cuando son invitados al programa Vía 2 Musical, transmitido por Radio Caracas Televisión y animado por Luis Turmero y Alfonso Álvarez Gallardo. Más adelante, Alfredo José Mena, como presentador y Chelique Sarabia como productor del programa juvenil El Club Musical, que se transmitía por el mismo canal, deciden invitarlos como grupo fijo del espacio. Y gracias a la presencia de la banda, se toma la iniciativa de comenzar a convocar a otros grupos y en especial a Los Impala.
En 1964 editan bajo el sello discográfico Souvenir su primer LP, Surf con Los Supersónicos, alcanzan los primeros lugares con versiones de los temas Vuelve Beethoveen (Roll Over Beetheeven) de Chuck Berry y popularizada por The Beatles, Clases de Surf, Surf de la mujer cruel, La historia de Jim (Dead Man's Curve) de Jan & Dean, Todos aman a un payaso (Everybody Loves a Clown) de Gary Lewis & The Playboys , La fiesta va empezar (Help Me, Rhonda) de The Beach Boys, Auxilio (Help) de The Beatles, La noche de un agitado día (A Hard Day's Night) de The Beatles, Hay que rodar (I Get Around) de The Beach Boys, Perdón (Come Home) de The Dave Clark Five y Si (She) de The Monkees.
Sus mayores logros musicales le vendrán en 1966 con las versiones que realizan de Jambalaya de Hank Williams y Rosas rojas para una dama triste (Red Roses For A Blue Lady) de Sid Tepper y Roy Brodsky e interpretada por Vic Dana.
Realizan giras a Aruba, Curazao y República Dominicana. En septiembre de este mismo año alternan en sus deferentes presentaciones en Radio Caracas Televisión, Hotel Tamanaco y Club Naiquatá con la banda norteamericana The Trashmen, quienes alcanzaron los primeros lugares de popularidad internacional con el tema Surfin' Bird (El Pájaro Bañista).
Los Supersónicos no fueron los primeros en hacer rock and roll en Caracas, pero sí los más importantes en la fase inicial del rock nacional. Esto queda demostrado con su presencia en conciertos callejeros, en programas de radio y televisión.
La banda tuvo vida activa hasta principios del año 1968, pero su eco sonó hasta 1969, dejando un legado de seis LP y unos cuantos 45 r.p.m.
Los Darts realizaron su primer toque en una fiesta privada en la Urbanización Santa Mónica en Caracas, posiblemente entre los años 1964 y 1965. La banda se organizó en un principio como cuarteto, pero posteriormente se redefinió con seis músicos en acción y es justamente de esta manera como es recordada. Allí encontramos a Carlos Moreán en la segunda guitarra, Rafael Pimentel "Pajarito" en la batería, Augusto de Lima en la guitarra líder, Richard Aumaitre en el bajo, Claudio Gámez en el teclado y su hermano Víctor en la voz principal. Una veloz pasantía cursó Oscar Franco como bajista, pero esto fue muy al inicio de la banda.
Fue éste uno de los grupos de mayor y más rápido crecimiento en eso de las ventas y anclarse al público. A esto contribuyó un perfecto acople musical, hermosas voces, finas armonías, pero sobre todo el "fusilar" temas extranjeros que aseguraron alcanzar el número uno en el Hit Parade, y bien puede decirse que Los Darts fueron la respuesta venezolana al fenómeno Beatles.
En el par de años de vida que tuvieron con su formación original, obtuvieron casi todos los premios del momento, tales como El Discómetro de Oro, Un Disco para Vacaciones y los Guaicaipuro de Oro de los años 1966 y 1967. Hicieron giras nacionales y pegaron fuertemente temas como Tú la vas a perder (You're Going To Lose That Girl) de The Beatles, Ahora es tarde (It's To Late) de Bobby Goldsboro, Si estás triste (Listen People) de Graham Gouldman y Dónde dónde (Monday, Monday) de John Phillips. Además viajaron en el 67 a New York donde durante 15 días se presentaron en noticieros locales, grabaron un 45 r.p.m. y realizaron toques en clubes locales. En este mismo año se presentan en Aruba y Curazao, participan en el Primer Festival Pop de Caracas.
LOS IMPALAS Francisco Belisario, Henry Stephen, Edgar Quintero, su hermano Nerio y el fallecido Omar Padagüi se iniciaron en el mundo del espectáculo interpretando los mejores éxitos de Los Beatles, por ejemplo recordarán La Vi Parada Ahí, La Noche de Ayer, De Mí Para Ti y otras muchas. Cuando se consolidaron como uno de los mejores grupos del momento, comenzaron a interpretar sus propias canciones, la gran mayoría compuestas por Edgar Quintero (mejor conocido como Edgar Alexander). Estas pronto se convirtieron en verdaderos éxitos, ganando cada día mas y más fanáticos. Repitiendo las palabras de Rudy Márquez, quien sustituyó a Henry Stephen cuando éste se lanzó como solista, marchándose a España: "Buscábamos un rumbo propio, una música propia, una forma propia de hacer las cosas".
El gran impacto fue 'La vi parada ahí', de hecho, esta versión al español de la canción de los Beatles les abrió las puertas de la capital venezolana.
Viajan a Caracas por primera vez en el '62 para presentarse en el famoso Show de Renny, sin embargo no ocurre nada y regresan a Maracaibo. Posteriormente, a principios de 1964 se presentan en el programa El Club Musical que era producido por Chelique Sarabia, con la animación de Alfredo José Mena. En aquélla oportunidad alternó con un grupo que había seguido el ejemplo de los Impala, sólo que al ser de la capital, habían corrido con mejor suerte: Los Supersónicos. Fue tal el éxito que tuvieron los Impala en esa semana de presentaciones, que Radio Caracas los firmó inmediatamente como conjunto de planta.
Gracias a la proyección y apoyo que tuvieron de la televisión, pudieron visitar Puerto Rico, República Dominicana, Aruba, Colombia y otros países latinoamericanos. Y gracias también a las gestiones realizadas por la ex-coreógrafa de Renny Ottolina, logran un contrato de tres años en España, con presentaciones a lo largo y ancho del país ibérico. Allí grabaron dos LP, co-protagonizaron dos películas, compartieron honores con grupos y cantantes de gran prestigio en la época como lo fueron Los Bravos y Miguel Ríos entre otros. Con todo esto obtuvieron una experiencia que les sirvió para proyectarse aun más a su regreso a nuestro país. Sus Canciones les depararon muchas satisfacciones, tanto monetarias como en galardones ganados dentro y fuera del territorio nacional entre los cuales destacan varios Guaicaipuro de Oro, Guinand de Oro, Sol de Oriente y otros muchos ganados en el exterior.
LOS 007, se forman en 1966 en Caracas. Primera formación: José Galparsoro, guitarra y voz; Guillermo Berincua, guitarra y voz; Javier Atance, bajo y voz; Manolo Álvarez, batería y voz y Jorge Chapellín, voz solista.
Otros miembros: Oswaldo De La Rosa, Germán Suárez, Manolo Reyes, Costa Vertomi, Eddy Kings, Frank Rojas, Andrés Trigo.La competencia directa de Los Darts fueron Los 007. Se encontraban dentro del mismo perfil "Fusil Pop" que consistió en tomar éxitos internacionales o temas con perspectivas de ser exitosos en las carteleras anglosajonas y adaptarlos en español al mercado nacional. Los 007 no llegaron a tener el mismo alcance que Los Darts pero siempre fueron sus rivales más cercanos.
El nombre de la banda lo aportó Manolo Álvarez, quien decidió romper con la afinidad de ciertas agrupaciones hacia títulos de animales o carros, y recurrió a las cifras que identifican a un famoso agente secreto. Los 007 fueron José Galpasoro (primera guitarra y voz), Javier Atance (bajo y voz), Manolo Álvarez (batería), Jorge Chapellín (voz líder). A ellos habría que agregar a Costa Vertomi, también fundador, pero se retiró rápidamente.
Unos cuantos 45 r.p.m. y LP dan fe de la música que hicieron durante los años 66 y 67. Lograron pegar en la radio los temas El último beso (Last Kiss) de Eddie Cochran, Falta amor (I'm Believer) de Neil Diamond y popularizada por The Monkees, Detén la noche (Retiene La Nuit) de Charles Aznavour e interpretada por Johnny Hallyday, Soplando en el viento (Blowin' In The Wind) de Bob Dylan, entre los más destacados.
LAS 4 MONEDAS, se inician en 1963 como "Los Hermanos O'Brien" hasta 1968 cuando cambian de nombre por el de "Las Cuatro Monedas". Hijos del conocido pianista Pat O'Brien. Marlene, bajo; Kenny, guitarra y director; Brenda, batería y Gary, guitarra. Fueron los primeros artistas venezolanos en viajar al exterior cuando fueron a Argentina en 1965. Triunfaron en numerosos festivales internacionales de la canción. Actuaron en España, Chile, Italia, Suiza, Francia, Israel, Alemania, Irán, Santo Domingo, México y Puerto Rico. Han recibido numerosos premios. En 1973 entra el menor de los hermanos, Gregory.
Alternaron con Vikki Carr, Lola Flores, The Variations, etc. En 1969 triunfan en el II Festival Internacional de la Canción de Barcelona en España, con el tema Yo Creo En Dios. En 1975 triunfan en el X Festival de la Canción Venezolana en Caracas con el tema Me Duele Decirlo, Pero Es Así. En 1976 obtienen el segundo lugar en el VI Festival de la OTI en México con el tema Soy.
Fueron sus éxitos: Vuélvete Beethoven (original de Chuck Berry y éxito de Los Beatles); Ritmo En El Alma; Buena Suerte (primer grupo nacional en grabar un reggae), La Cascada; Yo Creo En Dios; Busca La felicidad; La Araña; Dame Amor; Estas A Tiempo; Desvanecido; Oh Ho, Ha Ha; La Culpa Es Tuya; Déjame Escuchar; Trauma; Se Un Niño Otra Vez; Pégale; Pobre Hombre; Soy; Guardo Mis Sueños Para Mí; Hoy Ya Puedo Cantar; Hay Que Dejar Atrás Las Penas, El Patito.
LOS MEMPHIS se forman en 1965 en Caracas. En 1967 graban su primer LP. Participan en el Primer Festival Pop en Caracas y acompañaron a Nancy Ramos.
En 1968 participan en las Experiencias Psicotomiméticas y triunfaron en el Festival del Nuevo Circo de Caracas como La Mejor Agrupación Musical, les prometen viajar al Festival de Sofía en Bulgaria y los engañan. Trabajaron en la discoteca El Hipocampo. En 1969 entra Gines García pero ese mismo año se separan.
Siendo sus éxitos: Noches En Blanco Satén; El Cielo Esta En Tu Mente; Preludio De La Flor; Obla-di Obla-da; Te Amare.
La Hora Del Pop Y La Tv
Ritmo y Juventud, Al Compás de lo Nuevo, El Club Musical, El Club del Clan, El Show de Renny, La Gran Revista de los Jueves, Gran Casino y otros
1965, la cultura Pop ha tomado el mundo. La beatlemanía es un hecho y comienza la diversificación de géneros dentro del universo Rock. Ya se acerca el precursor sonido de los británicos The Cream, la visión ácida de Grateful Dead y la explosión psicodélica.
Venezuela poco a poco se va poniendo al día en eso de la música mundial. Se estrena en Caracas ‘A Hard Days Night’ el primer film de los Beatles. El título que se le dio aquí fue: Yeah, yeah, yeah, Paul, John, George y Ringo. Eduardo Morell se adelantó a la fiebre Beatles en el país, radiando entre el 1964-65 ‘She Loves You’. En un espacio tan distinguido como lo fue el Teatro Municipal se logró concentrar lo más destacado del movimiento juvenil: Los Supersónicos, Los Dangers, Los Impala y Los Dinámicos, todo esto bajo el concepto de ‘Subasta de Canciones’.
La televisión local multiplicó la presencia juvenil y su música. Cada planta de televisión tuvo su programa dirigido a la juventud. Desde esos tempranos 60 la feroz competencia tomó partido: Venevisión propuso un programa conducido por el joven Gilberto Correa, ‘Ritmo y Juventud’. También estuvieron allí como animadores Franklin Vallenilla, Edgar Jiménez y Winston Vallenilla, quien un año mas tarde sacó su propio programa ‘Al compás de lo nuevo’. Radio Caracas Televisión lanzó ‘El Club Músical’ de Alfredo José Mena. La estación de Los Ruices, VTV, no se quedó atrás y ‘los pavos’ Richard Herd y José Hernández-llamados Los Brothers-, más ‘la pavita’ Rosario Prieto asumieron la responsabilidad de ‘El Club del Clan’. Valencia en esos tiempos tuvo su canal identificado con el número 13 y pasó un enlatado ‘Hollywood a Go Go’ presentado por Winston Vallenilla.
Venezuela En Europa
Los que empezaron la hazaña en España fueron Los Holidays en 1966, el extraordinario grupo de Franklin Holland, Rurik Grassi, Wolfgang Vivas, Jean Louis Ajzenberg y Frank Kunez, quienes estuvieron un rato no solamente en España, sino también en otros países europeos. No obstante, al poco tiempo regresaron a Caracas.
Así, en ese mismo 1966, hacia septiembre, la mejor agrupación venezolana de entonces, Los Impala, también se aventura hacia la Madre Patria y ellos sí van a permanecer cuatro años en la península Ibérica, consolidándose como uno de los mejores grupos de la escena rock español de finales de los sesenta.
Hay infinidad de anécdotas que hablan del impacto que tuvieron Los Impala en España entre 1966 y 1970: El apoyo del importante sello Sonoplay, centenares de presentaciones en vivo y en TV, éxitos en la radio, participaciones en películas junto a Miguel Ríos, premios, menciones como uno de los 10 mejores conjuntos de la España de aquel entonces, apariciones en concierto junto a Bill Wyman (bajista de los Rolling Stones) y mucho más. Por esos días de Los Impala en suelo español, su anterior cantante Henry Stephen (que fue reemplazado por Rudy Márquez) también probó suerte como solista por aquellos lares, constituyéndose por igual en una sensación con su hit de toda la vida: "Limón limonero", que aún el año pasado volvió a sonar en España como comercial de una cerveza sin alcohol.
LOS DARTS LOS SUPERSONICOS
LOS IMPALAS LOS SUPERSONICOS
CHERRY NAVARRO
(Extraido de monografias.com)
La relativa similitud entre el vestido masculino y el femenino, que se había manifestado alrededor de 1930-1940 con la adopción por algunas mujeres del traje «sastre» (o tailleur), culmina a partir de los años 1960 en el bluyín, verdadera prenda unisex. En las últimas décadas, la tendencia general en muchos países hacia una mayor informalidad en el vestir corriente, junto con la eliminación de algunas restricciones (prohibición de entrar en cines y restaurantes sin saco y corbata, etc.), se unieron en Venezuela al reconocimiento de que éste es un país de clima tropical para que el saco y la corbata se vayan haciendo cada vez más raros en muchos medios, entre ellos el universitario. La competencia entre los fabricantes de ropa hecha ha conducido a una gran variedad de colores y detalles dentro de la uniformidad del estilo informal dominado aún por el bluyín, así como en los estilos más tradicionales. Mientras la diferencia entre los sexos disminuye, en lo que concierne al vestido, aumenta la existente entre las generaciones.
Los sesenta traen la otra revolución. Surge el concepto de la ropa joven, divertida y experimental. El lujo y el glamour quedan atrás. Ahora es el turno de la extravagancia y la psicoledia. La cultura POP marca el camino de la moda con el uso de estampados y materiales como el plástico. Llegan las gafas grandes, de pasta y los cinturones anchos. El exitoso debut de la minifalda, es uno de los hechos claves de esta década, en lo que a moda se refiere.
Las mujeres se demarcan los ojos con gruesas líneas negras. El cabello se usa corto o con cortes geométricos. También se usa largo con postizos. Se combinan todos los colores.
En los últimos años de esta década hacen su aparición los HIPPIES. Los impulsores de este movimiento que promulga "la paz y el amor" son los primeros en reciclar la moda y crear estilos individuales, con dibujos psicolédicos e imágenes relacionadas con los efectos de alucinógenos.
Hombres y mujeres usan los pantalones de campana (ceñidos hasta la rodilla y luego anchos). Las blusas de algodón también se imponen.
Con nombres que cambian de país a país, los jeans, vaqueros, pantalones de mezclilla o téjanos son los mejores compañeros del hombre actual. Cómodos, fáciles de combinar y muy prácticos esta prenda es una de las pocas que nunca pasó de moda y siempre se conservará como un elemento esencial en el ropero de todo hombre y mujer.
En los años sesentas los jeans simbolizaron la rebeldía de la juventud y en los setentas representaban la igualdad de clases.
En cuanto a la música, la orquesta Billo's Caracas Boys actuó en los más vistos y exitosos programas de televisión: Cita con Saume (1960), Esta Noche Billo (1961).
Como resultado de una serie de medidas aplicadas contra el Maestro Billo, la orquesta paraliza sus actividades en 1958, para volver a reunirse y reaparecer el 14 de julio de 1960. Allí empieza lo que Billo llamaba jocosamente la tercera república, es decir la tercera etapa de su actividad musical en Venezuela.
Fue la época en que Billo presenta como bolerista a Felipe Pirela, joven marabino de 17 años, quien venía de actuar con la orquesta Los Peniques en el famoso Show de las Doce, animado por Víctor Saume, y como guarachero a Cheo García.
Uno de los primeros éxitos de Felipe Pirela fue el bolero de Italo Pizzolante "Puerto Cabello", así como también "Caraqueñita", "No Vale la Pena", "Por la Vuelta", "Para qué recordar", "Quisqueya", Pobre del Pobre", El Malquerido", "Sombras" y los Mosaicos del 1 al 10, con los cuales inició una serie interminable de éxitos en el ámbito nacional e internacional.
Por su parte Cheo García se convirtió en uno de los guaracheros más populares de toda la región del Caribe, infinidad de actuaciones y grabaciones (más de 400) que se convirtieron en grandes éxitos discográficos, siendo las más populares "Ariel", "La Vaca Vieja", "Compadrito", "Caballo Alazán, "Al Paso", "Bacosó", "Jardinero", "Canto a Caracas", "Pájaro Picón" y los Mosaicos, del 1 al 48, etc.
La primera grabación de Cheo García con la orquesta Billos fue el tema musical "El Pájaro Chogüi", popularizado por Néstor Zavarce.
Al irse Felipe Pirela, entra José Luis Rodríguez, quien había formado parte del grupo Los Zeppys, en septiembre de 1963. José Luis Rodríguez permaneció con la orquesta Billo's Caracas Boys por espacio de tres años, hasta 1966. Siendo sus grandes éxitos ""Vida Consentida", "Quiero Verte Una Vez Más", "Charlemos", "Tarde Gris", "Nada", "Un Cigarrillo, la Lluvia y Tú", "Y qué Quieres", "El Mundo", "Nuestro Balance" y muchas otras.
Al retirarse José Luis Rodríguez, en el año 1967, ingresa a la Billos otro maracucho Memo Morales quien si tuvo una actuación prolongada, con voz y talento especial para cantar los aires españoles, razón por la cual se le llama "El Gitano Maracucho" logrando éxitos como los pasodobles "Fea", "Ni Se Compra Ni Se Vende", "Cuña Cañi", "Si Vas a Calatayud", "Adiós España", y los boleros morunos "Niña Isabel", "Te Lo Juro Yo", "Mambo Moruno", entre otros.
BILLO’S CARACAS BOYS: Orquesta fundada en 1940 en Caracas por el dominicano Luis María Frometa, conocido como "Billo", en momentos en que la Lecuona Cuban Boys era la agrupación más famosa de la música caribeña. Interpretando merengues, rumbas, boleros y otros ritmos del caribe se transformó en un verdadero símbolo de la música caraqueña. En sus filas se iniciaron dos de los más famosos cantantes venezolanos: Felipe Pirela en 1960, y el "Puma" José Luis Rodríguez en 1963.
Tito Rodríguez fue el líder absoluto de la música caribeña en los primeros años de los 60. La Orquesta de Tito Rodríguez contaba con dos de los músicos cubanos más importantes de la época Israel López "Cachao" y René Hernández, el primer trompeta por excelencia de Latinoamérica Víctor Paz y otros músicos de primera línea en cada instrumento. Rodríguez cultivó el Cha cha chá y la Pachanga como gancho comercial, pero también supo darle su toque mágico al Mambo y al Bolero. Para el año 1963 Tito grabó en Venezuela el último disco con su Big Band titulado En Puerto Azul donde incluyó una versión magistral del tema La Pollera Colora.
Desde el 1963 Rodríguez tomó la ruta de grabar los Boleros más importantes del repertorio latinoamericano acompañado por una orquesta monumental dominada por cuerdas y dirigida por el maestro Lerroy Holmes. El primer tema que impactó en el mercado latinoamericano fue Inolvidable del compositor cubano Julio Gutiérrez. De ahí en adelante todo lo que grabó en este género vendió millones de copias en las Latinoamérica y Tito se convirtió en el cantante del amor por excelencia en el caribe.
Tito Rodríguez murió en el 1972
En la primera parte de la década de los 60 el gran músico boricua Ray Barreto comandó La Charanga Moderna la que se adelantó al estilo salsoso de los 70. Barretto incorporó a la Charanga cubana una trompeta y un trombón, este último, instrumento que marcaría definitivamente el perfil sonoro de la Salsa en la próxima década. Barreto también, al igual que Joe Cuba con el tema Salsa y Bembe, fue uno de los primeros músicos de Nueva York que utilizó la palabra Salsa en un tema musical, Salsa y Dulzura.
El 1964 es la fecha de la decadencia de la Pachanga y con ella las Charangas y los Big Bands Latinos.
En ese año Johnny Pacheco abandonó el formato de Charanga y a la disquera Alegre para formar un Conjunto de Son y emprender la monumental empresa de fundar un sello disquero en Nueva York, Fania. Pacheco se asoció con su abogado Jerry Massuci y fundaron la Fania que, con el pasar de los años, se convertiría en la compañía de discos por excelencia al hablar de Salsa. En este sello publicó el disco Johnny Pacheco y su Nuevo Tumbao - Cañonazo, el nombre de la disquera surgió de un viejo son del cubano Reinaldo Bolaño titulado Fania, el cual estaba incluido en dicho disco.
En el período que va del 1964 al 1967, la música caribeña no tiene un rumbo definido e incluso la industria americana del disco cierra sus oídos al Caribe. Dicha industria se ubica en Brasil, donde el Bossa Nova (una samba suavizada para al oído americano) despega en grande vendiendo millones de discos en Estados Unidos y el resto del mundo.
Surgen los Jam Sessions o Descargas de música latina en Nueva York, bajo la batuta de Charlie Palmieri, La Tico All Stars da el primer paso, estas reuniones musicales se basan en las ideas y el trabajo musical que grabó Ismael López "Cachao" y otros músicos cubanos para el sello Panart de Cuba desde el 1956. En estas descargas se integran músicos Cubanos, "Newyoricans" y Norteamericanos para ejecutar de manera libre y espontánea música basada en los géneros cubanos tradicionales pero con elementos de improvisación del Jazz. Estos trabajos, aplaudidos por los melómanos pero el público general no le dio mucha importancia, pasaron "sin pena ni gloria" para el mundo musical de los 60.
Nace el Bugalú, primer estilo producido en Nueva York en el que se mezclan los ritmos afro-cubanos con el Rhythm and Blues y otras influencias musicales popularizadas por los negros americanos a principios del 60. El Bugalú fue un género que tuvo su cumbre con el pianista Pete Rodríguez y el tema Micaela que popularizó la frase "I like it like that". Por su parte Joe Cuba fue un triunfador de este estilo con los temas "Bang Bang" y "El Pito". Ray Barreto nos dejó para la historia "El Watusi". El Bugalú fue cultivado por las orquestas latinas más importantes, sin importar su dotación instrumental, podemos mencionar la orquesta Broadway, Cortijo y su Combo, Tito Puente y Eddie Palmieri.
También se impone el Jala Jala bajo la batuta de Ricardo Ray gracias a su disco Jala Jala y Boogaloo y otras agrupaciones como El Gran Combo se destacan y logran grandes éxitos con sus grabaciones de estos ritmos. Además, en Nueva York y el Caribe se escuchan los ritmos de El Shingalin, El Pata Pata y La Mazucamba.
Fue dentro de esta amalgama de estilos que surgen los primeros destellos musicales de lo que sería la Salsa. Un ejemplo importante nos los provee el cantante puertorriqueño Mon Rivera, quien con su estilo de cantar sumamente picaresco y de burla social crea una brecha entre el cantar de salón de un Tito Rodríguez y el cantar del barrio que muchos cantantes de la Salsa asumirían en los 70; además, su banda fue la primera basada en trombones.
Tito Puente y La Lupe, junto a Eddie Palmieri y Joe Cuba son los músicos más importante de este período porque su música es una síntesis de los estilos musicales de Nueva York y todo el Caribe.
La Lupe una cantante cubana exiliada que con su canto estridente, hiriente, lleno de mañanas y giros da los primeros toques de lo que sería el canto salsoso en sus primeras años, música irreverente y violenta. La Lupe interpreta guarachas, bombas, sones, joropos, boleros que sirven como puente entre los viejos estilos cubanos con el nuevo enfoque de enfrentar los mismos desarrollados en Nueva York, que con el tiempo se llamaría Salsa. Una vez la Salsa está definida plenamente en los 70, La Lupe pierde vigencia, pues su función de transición estilística sonera ya no es necesaria.
El sexteto de Joe Cuba fue la agrupación que mejor representó este período de experimentación con distintos estilos musicales y de manifestación primaria de una música caribeña con claros matices americanos, la música de los neoyorquina, el Bugalú. Además, sus presentaciones arrolladoras en los salones de baile y sus discos, que eran éxitos al instante, le dieron a esta agrupación el rango de inigualable por su agarre en el fervor del público latino.
El gran éxito que lograban los cantantes que venían con las orquestas de la isla caribeña, como Celia Cruz, Daniel Santos, Leo Marini y otros estimuló a estas agrupaciones a incluir canciones venezolanas en su repertorio, siendo la más recordada de aquella época la versión de "El Muñeco de la Ciudad", grabada por la Sonora Matancera.
El éxito de estas agrupaciones trajo consigo que muchos venezolanos incursionaran en estas formas musicales y que algunos de ellos lograran entrar en ese nuevo mercado. Uno de los cantantes que tuvo más suerte fue Víctor Piñero, que llegó a grabar y lograr un sitial importante con la Sonora Matancera.
Sonora Matancera y Celia Cruz
ALFREDO SADEL, su nombre verdadero era Alfredo Sánchez Luna; el "Sadel" surgió de la primera sílaba de su apellido y la última de Gardel, cantante al que admiraba profundamente. Nació en Caracas el 22 de Febrero de 1930. Su primera actividad artística fue la pintura, pero su voz de tenor lo llevó a la música. En 1962, en lo más alto de su fama, decidió dedicarse exclusivamente a la lírica, cantando óperas y zarzuelas.
HÉCTOR CABRERA, cantante conocido como 'El Poeta de la Canción'. A lo largo de la década de 1960 sus discos suenan en toda Latinoamérica. Actuó en películas en México, Colombia y Puerto Rico, destacándose "Canta mi Corazón", con Libertad Lamarque, "Cucurrucucú Paloma", junto a Pedro Vargas, "Las Hijas de Elena", "El Pícaro Amador". Participó además en telenovelas venezolanas.
MARÍA TERESA CHACÍN, se inició en los 60 como solista en el coro de la Universidad Central de Venezuela, destacándose en el Primer Festival Mundial de Coros Universitarios celebra do en el Lincoln Center de New York en el año 1965. Su carrera solista comprende gran cantidad de discos grabados con temas de compositores como Armando Manzanero, Chico Navarro y otros.
MIRTHA PÉREZ se inició en concursos de aficionados organizados por la radio La Voz de la Patria, y desde 1963 cantó en hoteles y locales nocturnos. Se integró luego como voz principal en el Trío Los Naipes. En 1966 grabó como solista una serie de LP llamados "Mirtha Solita". Ganadora del Festival de Viña del Mar de 1968, se consagró al año siguiente en Argentina interpretando "La Nave del Olvido", de Dino Ramos, en el Festival Buenos Aires de la Canción, donde obtuvo el segundo lugar. Protagonizó la película "Los Mochileros". Continúa activa. Temas exitosos: "La Luna y el Toro", "Esos Ojitos Negros", "Me Hace Falta tu Calor", "Maldita Seas", "Cuando me Enamoro", "Cuando Digo que te Amo", "Acompáñame" (en dúo con Héctor Cabrera), "Nadita de Nada.
TRINO MORA, comienza a cantar en los Estados Unidos donde cursaba estudios en la Academia Militar de la Florida. Realizo estudios de Economía, los cuales deja para regresar a Venezuela, donde forma el grupo Los Duendes en 1964. En 1965 debuta como solista en el programa de TV El Club Del Clan. Inicio estudios de Psicología en la UCAB los cuales no termino. En 1967 grabo su primer LP y participo en el Primer Festival Pop en Caracas, acompañado por Los 007. En 1968 participo en el Festival del Nuevo Circo de Caracas. En 1969 triunfa en el Primer Festival de La Voz Juvenil de Venezuela, en Maracay (Estado Aragua). En 1970 obtiene el 4to. Lugar en el Festival Internacional de la Canción de Chiclayo, en Perú y participo en el Festival Impulso de Nuevos Valores Sus éxitos: Catira; Dime Adiós, Tengo Que Ser Yo, Soy Tremendo, Mi Tristeza, Amor Libre, No Olvides Recordarme, Del Amor El Recuerdo, Libera Tu Mente, Sé Tu Mismo, En Primavera a dúo con Nancy Ramos, Control De Natalidad, Medio Ambiente, Mi Continuación, Sigue Adelante, Mi Corazón, Hombre Formal, Yo Te Haré Falta, El Carite (versión), Para Que Dinero, Te Quiero Todavía, Dentro De Tus Sentidos, Te Voy A Enseñar A Hacer El Amor, Nocturnal, Las Flores De La Distancia, Como Fue, Venezolano De La Boca Para afuera, Donde Hay Amor Hay Fuego, Ámame o Tómame, Educación Sexual, Déjame Entrar, Comentarios, Volvamos A Empezar.
CHERRY NAVARRO o mejor dicho Alexis Enrique Navarro Velásquez, hijo de Don Manuel Rafael Navarro y Doña María de Jesús de Navarro. Nació el 9 de julio de 1944 en Caripito, Estado Monagas, y desde niño soñó con ser artista. Su destino estaba escrito, pues lo logró.
Su manera extravagante de vestir pero con mucha elegancia, fue reflejo de su personalidad festiva y alegre, por ello jamás se imaginaba su publico que sin previo aviso, el dolor fuese a invadir aquel rostro dado a las mejores sonrisas. Una enfermedad terrible se apoderó de su cuerpo sin despertar sospechas. Fue inesperado. Un ataque injusto que resultó mortal. Tras días de penumbra, la noticia dejó atónito al pueblo que lo admiraba. El jueves 28 de septiembre de 1967, el Hospital Vargas de Caracas, anunciaba su muerte. Dejaba una historia llena de vivencias. Se había marchado el ídolo de la juventud, el amigo al que nunca le faltó la sonrisa. Cherry dejó una huella imborrable en los corazones de quienes le escucharon y admiraron.
GERMÁN YECIK FREITES TORRES. Nació el 28 Mayo 1943 en Los Teques, Estado Miranda. Cantante, actor y locutor y animador de TV. Fue conocido como El Ganador de Festivales. Debutó como solista en 1965. Cantó por primera vez en la TV con el Conjunto Infantil dirigido por Fanny Newman en Al Compás De Lo Nuevo por Teletrece en Valencia (Edo. Carabobo). En 1967 participó en el programa especial de TV El Angelito Mas Pequeño, donde hizo el papel del ángel comprensivo y canto el tema del cuento original del maestro Aldemaro Romero. En 1968 graba su primer LP. En 1969 participa en varios Festivales: Triunfa en el Primer Festival Internacional de la Canción en Caracas con el tema Vendrán Nuevos Días. Triunfó en el V Festival Venezolano de la Canción Moderna con el tema Yo Era Un Niño. Triunfa en el V Festival del Atlántico en Tenerife, Islas Canarias y obtiene el 2do lugar en el IV. Éxitos: Sueño, Solo A Ti, Lo Que El Abuelo Cantaba, Serás Mi Amor, De Que Color Es La Piel De Dios, Manantial, Locura De Vivir, Caminando Solo, Pensándolo Bien, Duerme Niña, Tengo Penas, Tu Torre De Papel.
RENNY OTOLINA, CHERRY NAVARRO Y CHELIQUE SARABIA
El sonido del rock and roll hacia mediados de 1963 le correspondió a la secuela surf, y a los aires de playa del oeste norteamericano. California fue el paraíso de los jóvenes, de las chicas en bikini, los automóviles, las fiestas y la música fácil de escuchar. El surf fue el sonido del verano. Al principio una forma de deporte, luego moda y finalmente se transformó en mainstream musical. El estandarte fue la agrupación The Beach Boys, cinco jóvenes de Los Ángeles, seguidores del deporte consistente en deslizarse en una tabla sobre las olas, pero que además decidieron formar una banda.
En Venezuela muchos grupos se inspiraron en la estructura de temas surf. Llegaron constantemente los films ambientados en las playas californianas y en la TV tuvo gran receptividad una serie cuyas historias se basaron en la vida de jóvenes detectives vinculados a la onda surfista, 77 Sunset Strip, Hawain Eye.
La banda emblemática de estos primeros años de rock and roll y surf en Venezuela son Los Supersónicos. Su historia se remonta al año 1961, la idea surge en la Escuela Industrial de Los Chaguaramos donde, además de ensayar, ensamblaron sus instrumentos (guitarras acústicas con micrófonos incorporados). En sus inicios con el ánimo de lograr notoriedad y llamar la atención realizan conciertos callejeros, ejecutan toques en el la entrada de Radio Caracas Radio, paralizando el tráfico automotor en la Avenida Páez de la Urbanización El Paraíso e igualmente suceso lo logran en la Avenida Principal de Sabana Grande.
Originalmente fueron Armando Veitía (guitarra y voz), Mauro Pérez (teclados), Enrique Piñero (segunda guitarra y voz), quien fue sustituido por Pablo Díaz 'Ivo' (guitarra y voz), Nelsón Ruiz (batería), Esteban Ruiz (voz) y Alexis Hernández (inicialmente segunda guitarra, para luego pasar al bajo). Posteriormente pasaron por sus filas Carlos Cisneros (piano), Rafael López 'El Mexicano' (guitarra), que venía de ser integrante de Los Dangers y los hermanos Lenin y Freddy Brea (guitarra y bajo, respectivamente).
Su debut televisivo se dio durante el año 1963 cuando son invitados al programa Vía 2 Musical, transmitido por Radio Caracas Televisión y animado por Luis Turmero y Alfonso Álvarez Gallardo. Más adelante, Alfredo José Mena, como presentador y Chelique Sarabia como productor del programa juvenil El Club Musical, que se transmitía por el mismo canal, deciden invitarlos como grupo fijo del espacio. Y gracias a la presencia de la banda, se toma la iniciativa de comenzar a convocar a otros grupos y en especial a Los Impala.
En 1964 editan bajo el sello discográfico Souvenir su primer LP, Surf con Los Supersónicos, alcanzan los primeros lugares con versiones de los temas Vuelve Beethoveen (Roll Over Beetheeven) de Chuck Berry y popularizada por The Beatles, Clases de Surf, Surf de la mujer cruel, La historia de Jim (Dead Man's Curve) de Jan & Dean, Todos aman a un payaso (Everybody Loves a Clown) de Gary Lewis & The Playboys , La fiesta va empezar (Help Me, Rhonda) de The Beach Boys, Auxilio (Help) de The Beatles, La noche de un agitado día (A Hard Day's Night) de The Beatles, Hay que rodar (I Get Around) de The Beach Boys, Perdón (Come Home) de The Dave Clark Five y Si (She) de The Monkees.
Sus mayores logros musicales le vendrán en 1966 con las versiones que realizan de Jambalaya de Hank Williams y Rosas rojas para una dama triste (Red Roses For A Blue Lady) de Sid Tepper y Roy Brodsky e interpretada por Vic Dana.
Realizan giras a Aruba, Curazao y República Dominicana. En septiembre de este mismo año alternan en sus deferentes presentaciones en Radio Caracas Televisión, Hotel Tamanaco y Club Naiquatá con la banda norteamericana The Trashmen, quienes alcanzaron los primeros lugares de popularidad internacional con el tema Surfin' Bird (El Pájaro Bañista).
Los Supersónicos no fueron los primeros en hacer rock and roll en Caracas, pero sí los más importantes en la fase inicial del rock nacional. Esto queda demostrado con su presencia en conciertos callejeros, en programas de radio y televisión.
La banda tuvo vida activa hasta principios del año 1968, pero su eco sonó hasta 1969, dejando un legado de seis LP y unos cuantos 45 r.p.m.
Los Darts realizaron su primer toque en una fiesta privada en la Urbanización Santa Mónica en Caracas, posiblemente entre los años 1964 y 1965. La banda se organizó en un principio como cuarteto, pero posteriormente se redefinió con seis músicos en acción y es justamente de esta manera como es recordada. Allí encontramos a Carlos Moreán en la segunda guitarra, Rafael Pimentel "Pajarito" en la batería, Augusto de Lima en la guitarra líder, Richard Aumaitre en el bajo, Claudio Gámez en el teclado y su hermano Víctor en la voz principal. Una veloz pasantía cursó Oscar Franco como bajista, pero esto fue muy al inicio de la banda.
Fue éste uno de los grupos de mayor y más rápido crecimiento en eso de las ventas y anclarse al público. A esto contribuyó un perfecto acople musical, hermosas voces, finas armonías, pero sobre todo el "fusilar" temas extranjeros que aseguraron alcanzar el número uno en el Hit Parade, y bien puede decirse que Los Darts fueron la respuesta venezolana al fenómeno Beatles.
En el par de años de vida que tuvieron con su formación original, obtuvieron casi todos los premios del momento, tales como El Discómetro de Oro, Un Disco para Vacaciones y los Guaicaipuro de Oro de los años 1966 y 1967. Hicieron giras nacionales y pegaron fuertemente temas como Tú la vas a perder (You're Going To Lose That Girl) de The Beatles, Ahora es tarde (It's To Late) de Bobby Goldsboro, Si estás triste (Listen People) de Graham Gouldman y Dónde dónde (Monday, Monday) de John Phillips. Además viajaron en el 67 a New York donde durante 15 días se presentaron en noticieros locales, grabaron un 45 r.p.m. y realizaron toques en clubes locales. En este mismo año se presentan en Aruba y Curazao, participan en el Primer Festival Pop de Caracas.
LOS IMPALAS Francisco Belisario, Henry Stephen, Edgar Quintero, su hermano Nerio y el fallecido Omar Padagüi se iniciaron en el mundo del espectáculo interpretando los mejores éxitos de Los Beatles, por ejemplo recordarán La Vi Parada Ahí, La Noche de Ayer, De Mí Para Ti y otras muchas. Cuando se consolidaron como uno de los mejores grupos del momento, comenzaron a interpretar sus propias canciones, la gran mayoría compuestas por Edgar Quintero (mejor conocido como Edgar Alexander). Estas pronto se convirtieron en verdaderos éxitos, ganando cada día mas y más fanáticos. Repitiendo las palabras de Rudy Márquez, quien sustituyó a Henry Stephen cuando éste se lanzó como solista, marchándose a España: "Buscábamos un rumbo propio, una música propia, una forma propia de hacer las cosas".
El gran impacto fue 'La vi parada ahí', de hecho, esta versión al español de la canción de los Beatles les abrió las puertas de la capital venezolana.
Viajan a Caracas por primera vez en el '62 para presentarse en el famoso Show de Renny, sin embargo no ocurre nada y regresan a Maracaibo. Posteriormente, a principios de 1964 se presentan en el programa El Club Musical que era producido por Chelique Sarabia, con la animación de Alfredo José Mena. En aquélla oportunidad alternó con un grupo que había seguido el ejemplo de los Impala, sólo que al ser de la capital, habían corrido con mejor suerte: Los Supersónicos. Fue tal el éxito que tuvieron los Impala en esa semana de presentaciones, que Radio Caracas los firmó inmediatamente como conjunto de planta.
Gracias a la proyección y apoyo que tuvieron de la televisión, pudieron visitar Puerto Rico, República Dominicana, Aruba, Colombia y otros países latinoamericanos. Y gracias también a las gestiones realizadas por la ex-coreógrafa de Renny Ottolina, logran un contrato de tres años en España, con presentaciones a lo largo y ancho del país ibérico. Allí grabaron dos LP, co-protagonizaron dos películas, compartieron honores con grupos y cantantes de gran prestigio en la época como lo fueron Los Bravos y Miguel Ríos entre otros. Con todo esto obtuvieron una experiencia que les sirvió para proyectarse aun más a su regreso a nuestro país. Sus Canciones les depararon muchas satisfacciones, tanto monetarias como en galardones ganados dentro y fuera del territorio nacional entre los cuales destacan varios Guaicaipuro de Oro, Guinand de Oro, Sol de Oriente y otros muchos ganados en el exterior.
LOS 007, se forman en 1966 en Caracas. Primera formación: José Galparsoro, guitarra y voz; Guillermo Berincua, guitarra y voz; Javier Atance, bajo y voz; Manolo Álvarez, batería y voz y Jorge Chapellín, voz solista.
Otros miembros: Oswaldo De La Rosa, Germán Suárez, Manolo Reyes, Costa Vertomi, Eddy Kings, Frank Rojas, Andrés Trigo.La competencia directa de Los Darts fueron Los 007. Se encontraban dentro del mismo perfil "Fusil Pop" que consistió en tomar éxitos internacionales o temas con perspectivas de ser exitosos en las carteleras anglosajonas y adaptarlos en español al mercado nacional. Los 007 no llegaron a tener el mismo alcance que Los Darts pero siempre fueron sus rivales más cercanos.
El nombre de la banda lo aportó Manolo Álvarez, quien decidió romper con la afinidad de ciertas agrupaciones hacia títulos de animales o carros, y recurrió a las cifras que identifican a un famoso agente secreto. Los 007 fueron José Galpasoro (primera guitarra y voz), Javier Atance (bajo y voz), Manolo Álvarez (batería), Jorge Chapellín (voz líder). A ellos habría que agregar a Costa Vertomi, también fundador, pero se retiró rápidamente.
Unos cuantos 45 r.p.m. y LP dan fe de la música que hicieron durante los años 66 y 67. Lograron pegar en la radio los temas El último beso (Last Kiss) de Eddie Cochran, Falta amor (I'm Believer) de Neil Diamond y popularizada por The Monkees, Detén la noche (Retiene La Nuit) de Charles Aznavour e interpretada por Johnny Hallyday, Soplando en el viento (Blowin' In The Wind) de Bob Dylan, entre los más destacados.
LAS 4 MONEDAS, se inician en 1963 como "Los Hermanos O'Brien" hasta 1968 cuando cambian de nombre por el de "Las Cuatro Monedas". Hijos del conocido pianista Pat O'Brien. Marlene, bajo; Kenny, guitarra y director; Brenda, batería y Gary, guitarra. Fueron los primeros artistas venezolanos en viajar al exterior cuando fueron a Argentina en 1965. Triunfaron en numerosos festivales internacionales de la canción. Actuaron en España, Chile, Italia, Suiza, Francia, Israel, Alemania, Irán, Santo Domingo, México y Puerto Rico. Han recibido numerosos premios. En 1973 entra el menor de los hermanos, Gregory.
Alternaron con Vikki Carr, Lola Flores, The Variations, etc. En 1969 triunfan en el II Festival Internacional de la Canción de Barcelona en España, con el tema Yo Creo En Dios. En 1975 triunfan en el X Festival de la Canción Venezolana en Caracas con el tema Me Duele Decirlo, Pero Es Así. En 1976 obtienen el segundo lugar en el VI Festival de la OTI en México con el tema Soy.
Fueron sus éxitos: Vuélvete Beethoven (original de Chuck Berry y éxito de Los Beatles); Ritmo En El Alma; Buena Suerte (primer grupo nacional en grabar un reggae), La Cascada; Yo Creo En Dios; Busca La felicidad; La Araña; Dame Amor; Estas A Tiempo; Desvanecido; Oh Ho, Ha Ha; La Culpa Es Tuya; Déjame Escuchar; Trauma; Se Un Niño Otra Vez; Pégale; Pobre Hombre; Soy; Guardo Mis Sueños Para Mí; Hoy Ya Puedo Cantar; Hay Que Dejar Atrás Las Penas, El Patito.
LOS MEMPHIS se forman en 1965 en Caracas. En 1967 graban su primer LP. Participan en el Primer Festival Pop en Caracas y acompañaron a Nancy Ramos.
En 1968 participan en las Experiencias Psicotomiméticas y triunfaron en el Festival del Nuevo Circo de Caracas como La Mejor Agrupación Musical, les prometen viajar al Festival de Sofía en Bulgaria y los engañan. Trabajaron en la discoteca El Hipocampo. En 1969 entra Gines García pero ese mismo año se separan.
Siendo sus éxitos: Noches En Blanco Satén; El Cielo Esta En Tu Mente; Preludio De La Flor; Obla-di Obla-da; Te Amare.
La Hora Del Pop Y La Tv
Ritmo y Juventud, Al Compás de lo Nuevo, El Club Musical, El Club del Clan, El Show de Renny, La Gran Revista de los Jueves, Gran Casino y otros
1965, la cultura Pop ha tomado el mundo. La beatlemanía es un hecho y comienza la diversificación de géneros dentro del universo Rock. Ya se acerca el precursor sonido de los británicos The Cream, la visión ácida de Grateful Dead y la explosión psicodélica.
Venezuela poco a poco se va poniendo al día en eso de la música mundial. Se estrena en Caracas ‘A Hard Days Night’ el primer film de los Beatles. El título que se le dio aquí fue: Yeah, yeah, yeah, Paul, John, George y Ringo. Eduardo Morell se adelantó a la fiebre Beatles en el país, radiando entre el 1964-65 ‘She Loves You’. En un espacio tan distinguido como lo fue el Teatro Municipal se logró concentrar lo más destacado del movimiento juvenil: Los Supersónicos, Los Dangers, Los Impala y Los Dinámicos, todo esto bajo el concepto de ‘Subasta de Canciones’.
La televisión local multiplicó la presencia juvenil y su música. Cada planta de televisión tuvo su programa dirigido a la juventud. Desde esos tempranos 60 la feroz competencia tomó partido: Venevisión propuso un programa conducido por el joven Gilberto Correa, ‘Ritmo y Juventud’. También estuvieron allí como animadores Franklin Vallenilla, Edgar Jiménez y Winston Vallenilla, quien un año mas tarde sacó su propio programa ‘Al compás de lo nuevo’. Radio Caracas Televisión lanzó ‘El Club Músical’ de Alfredo José Mena. La estación de Los Ruices, VTV, no se quedó atrás y ‘los pavos’ Richard Herd y José Hernández-llamados Los Brothers-, más ‘la pavita’ Rosario Prieto asumieron la responsabilidad de ‘El Club del Clan’. Valencia en esos tiempos tuvo su canal identificado con el número 13 y pasó un enlatado ‘Hollywood a Go Go’ presentado por Winston Vallenilla.
Venezuela En Europa
Los que empezaron la hazaña en España fueron Los Holidays en 1966, el extraordinario grupo de Franklin Holland, Rurik Grassi, Wolfgang Vivas, Jean Louis Ajzenberg y Frank Kunez, quienes estuvieron un rato no solamente en España, sino también en otros países europeos. No obstante, al poco tiempo regresaron a Caracas.
Así, en ese mismo 1966, hacia septiembre, la mejor agrupación venezolana de entonces, Los Impala, también se aventura hacia la Madre Patria y ellos sí van a permanecer cuatro años en la península Ibérica, consolidándose como uno de los mejores grupos de la escena rock español de finales de los sesenta.
Hay infinidad de anécdotas que hablan del impacto que tuvieron Los Impala en España entre 1966 y 1970: El apoyo del importante sello Sonoplay, centenares de presentaciones en vivo y en TV, éxitos en la radio, participaciones en películas junto a Miguel Ríos, premios, menciones como uno de los 10 mejores conjuntos de la España de aquel entonces, apariciones en concierto junto a Bill Wyman (bajista de los Rolling Stones) y mucho más. Por esos días de Los Impala en suelo español, su anterior cantante Henry Stephen (que fue reemplazado por Rudy Márquez) también probó suerte como solista por aquellos lares, constituyéndose por igual en una sensación con su hit de toda la vida: "Limón limonero", que aún el año pasado volvió a sonar en España como comercial de una cerveza sin alcohol.
LOS DARTS LOS SUPERSONICOS
LOS IMPALAS LOS SUPERSONICOS
CHERRY NAVARRO
(Extraido de monografias.com)
Homenaje a Ricky Martín en el Latin Grammy 2006
Ricky Martin, Orgullo latino.
Tuvo un reconocimiento como Persona del año 2006 por La Academia Latina de Grabacion debido a su carrera y filantropia. Muy merecido homenaje para ti, te lo mereces por ese corazon enorme que tienes.
Viva, Ricky Martin... Viva Latinoamerica... Viva la plena puertorriqueña!!!!!!!
Tuvo un reconocimiento como Persona del año 2006 por La Academia Latina de Grabacion debido a su carrera y filantropia. Muy merecido homenaje para ti, te lo mereces por ese corazon enorme que tienes.
Viva, Ricky Martin... Viva Latinoamerica... Viva la plena puertorriqueña!!!!!!!
viernes, noviembre 03, 2006
Artistas usan Latin Grammy para defender causas sociales
SIGAL RATNER-ARIAS
Associated Press
NUEVA YORK - Ricky Martin le declaró la guerra a los traficantes de niños, Maná criticó el muro que dividirá a México de Estados Unidos y Shakira expresó su apoyo a los inmigrantes indocumentados.
Y es que los artistas no dejaron pasar la oportunidad de expresar sus posturas frente a distintas causas sociales que los inquietan en la séptima entrega anual del Latin Grammy.
Tras dar un enérgico espectáculo con el que puso a bailar a todo el Madison Square Garden, Ricky Martin recibió el homenaje a la Persona del Año de manos del astro español Miguel Bosé que le otorgó la Academia Latina de la Grabación por su labor como artista y activista.
"Este premio se lo dedico a todas esas almas que no sobrevivieron la estúpida industria del tráfico humano. A esos traficantes (les digo): ¡Estamos en guerra!", declaró el embajador de la UNICEF y defensor de los derechos del niño, quien hace seis años creó la Fundación Ricky Martin para promover su causa.
"Quisiera dedicar este premio a todos los latinos del mundo, especialmente a los de aquí en Estados Unidos que, como yo algún día tuve, tienen un sueño", manifestó por su parte la estrella colombiana al aceptar el segundo de sus cuatro premios, arrancando un gran aplauso del público. "Lo único que ellos necesitan es, como dice Juan Luis Guerra, una visa para un sueño, y ojalá muy pronto reciban el reconocimiento que se merecen del estado".
Maná también criticó la política inmigratoria del presidente George W. Bush, y expresó su indignación ante la próxima construcción de un muro que levantará en una franja de la frontera con su país.
"El terrorismo no se va a acabar con el muro", aseveró Fher, el cantante principal del grupo mexicano. "Se acabará con una política exterior más limpia, cuando Estados Unidos se siente con México a decir: '¡Oye!, vamos a hacer una reforma migratoria'".
Agregó que aunque no quiere adentrarse en la polémica "la comunidad latina pone el pan en la mesa de todos los americanos" y señaló que mientras viva "en un mundo con más amor" jamás perderá la fe.
SIGAL RATNER-ARIAS
Associated Press
NUEVA YORK - Ricky Martin le declaró la guerra a los traficantes de niños, Maná criticó el muro que dividirá a México de Estados Unidos y Shakira expresó su apoyo a los inmigrantes indocumentados.
Y es que los artistas no dejaron pasar la oportunidad de expresar sus posturas frente a distintas causas sociales que los inquietan en la séptima entrega anual del Latin Grammy.
Tras dar un enérgico espectáculo con el que puso a bailar a todo el Madison Square Garden, Ricky Martin recibió el homenaje a la Persona del Año de manos del astro español Miguel Bosé que le otorgó la Academia Latina de la Grabación por su labor como artista y activista.
"Este premio se lo dedico a todas esas almas que no sobrevivieron la estúpida industria del tráfico humano. A esos traficantes (les digo): ¡Estamos en guerra!", declaró el embajador de la UNICEF y defensor de los derechos del niño, quien hace seis años creó la Fundación Ricky Martin para promover su causa.
"Quisiera dedicar este premio a todos los latinos del mundo, especialmente a los de aquí en Estados Unidos que, como yo algún día tuve, tienen un sueño", manifestó por su parte la estrella colombiana al aceptar el segundo de sus cuatro premios, arrancando un gran aplauso del público. "Lo único que ellos necesitan es, como dice Juan Luis Guerra, una visa para un sueño, y ojalá muy pronto reciban el reconocimiento que se merecen del estado".
Maná también criticó la política inmigratoria del presidente George W. Bush, y expresó su indignación ante la próxima construcción de un muro que levantará en una franja de la frontera con su país.
"El terrorismo no se va a acabar con el muro", aseveró Fher, el cantante principal del grupo mexicano. "Se acabará con una política exterior más limpia, cuando Estados Unidos se siente con México a decir: '¡Oye!, vamos a hacer una reforma migratoria'".
Agregó que aunque no quiere adentrarse en la polémica "la comunidad latina pone el pan en la mesa de todos los americanos" y señaló que mientras viva "en un mundo con más amor" jamás perderá la fe.
El muro de la polémica
García Bernal y el líder de Maná se declaran contrarios a su construcción
Servicios de La Opinión
28 de octubre de 2006
El actor mexicano Gael García Bernal expresó indignación ante la aprobación del muro que construirá Estados Unidos en la frontera con su país.
"Es absurdo", manifestó el jueves en una visita promocional por el estreno de la película Babel, que se estrenó ayer en Nueva York y Los Ángeles. "Cuánta plata se están gastando en esto en vez de usarla en un plan real de desarrollo".
En Babel, la más reciente producción del director mexicano Alejandro González Iñárritu, García Bernal encarna a Santiago, un joven que vive en Tijuana, Baja California, y que tras asistir a la boda de su primo en México se mete en un lío por desafiar a su regreso a los agentes fronterizos de inmigración.
"Justo hoy aprueban el muro", dijo indignado el astro de Amores perros, Y tu mamá también, The Motorcycle Diaries y La mala educación.
Estados Unidos tiene "un problema semiótico y dialéctico", aseveró. "Antes se argumentaba que el muro era para hacer seguras las fronteras después del 11 de septiembre, pero [los terroristas] no eran mexicanos, ni siquiera pasaron por México".
El actor, cuya familia viene de un entorno similar al de Santiago, no tuvo que ir muy lejos para prepararse para el papel.
"Traté de copiar a muchos de mis primos que son de esa zona", relató. "Y pasar horas hablando con Alejandro [González Iñárritu], emborracharme con él y con todos los personajes...", al igual que lo hacen en el filme.
Además, dijo que se dio "un baño de Tijuana" recorriendo sus calles y conociendo a su gente para "entender lo que es vivir bajo esta historia absurda" que es la división fronteriza.
Por otro lado, el líder del grupo mexicano Maná, Fher, calificó ayer como "estúpido" el muro fronterizo entre México y Estados Unidos, después que el presidente, George W. Bush, firmara el decreto que permitirá levantar la barda.
Fher dijo a radio Cooperativa que "se nos hace ilógico, se nos hace incongruente y estúpido ese muro porque hace 20 años Estados Unidos estaba tratando de tumbar el Muro de Berlín y ahora salen con que ellos van a poner uno en la frontera con México".
"Es totalmente absurda [la construcción del muro] porque, además, son mil y tantos kilómetros que no se pueden controlar con un muro. Lo que tienen que hacer es una reforma migratoria en Estados Unidos, legalizar a los inmigrantes", precisó el cantante mexicano.
Añadió que los inmigrantes que viven en ciudades de EU "deberían pagar impuestos, tener salud, que tengan una identidad legal, porque se lo merecen, son las gentes que ponen el pan sobre la mesa y Bush y todos lo saben".
Bush firmó el miércoles la Ley del Muro, que permitirá la construcción de una valla en la frontera entre México y Estados Unidos que, a juicio del gobernante, mejorará la protección del país.
El mandatario estadounidense dijo que "esta ley ayudará a proteger a los estadounidenses y a hacer nuestras fronteras más seguras. Es un importante paso hacia la reforma migratoria".
Maná realizó este viernes una breve visita a Chile para promocionar su nuevo disco, Amar es combatir, el cual, según Fher, fue realizado "a fuego lento y hasta que no estuvo listo no lo sacamos del horno".
Explicó que colocaron a una mujer con botas de combatiente en la portada de la producción porque "el hombre no ha sido capaz de detener el caos bélico; [entonces] ya le toca a la mujer. Quizá sea una alternativa más eficiente".
García Bernal y el líder de Maná se declaran contrarios a su construcción
Servicios de La Opinión
28 de octubre de 2006
El actor mexicano Gael García Bernal expresó indignación ante la aprobación del muro que construirá Estados Unidos en la frontera con su país.
"Es absurdo", manifestó el jueves en una visita promocional por el estreno de la película Babel, que se estrenó ayer en Nueva York y Los Ángeles. "Cuánta plata se están gastando en esto en vez de usarla en un plan real de desarrollo".
En Babel, la más reciente producción del director mexicano Alejandro González Iñárritu, García Bernal encarna a Santiago, un joven que vive en Tijuana, Baja California, y que tras asistir a la boda de su primo en México se mete en un lío por desafiar a su regreso a los agentes fronterizos de inmigración.
"Justo hoy aprueban el muro", dijo indignado el astro de Amores perros, Y tu mamá también, The Motorcycle Diaries y La mala educación.
Estados Unidos tiene "un problema semiótico y dialéctico", aseveró. "Antes se argumentaba que el muro era para hacer seguras las fronteras después del 11 de septiembre, pero [los terroristas] no eran mexicanos, ni siquiera pasaron por México".
El actor, cuya familia viene de un entorno similar al de Santiago, no tuvo que ir muy lejos para prepararse para el papel.
"Traté de copiar a muchos de mis primos que son de esa zona", relató. "Y pasar horas hablando con Alejandro [González Iñárritu], emborracharme con él y con todos los personajes...", al igual que lo hacen en el filme.
Además, dijo que se dio "un baño de Tijuana" recorriendo sus calles y conociendo a su gente para "entender lo que es vivir bajo esta historia absurda" que es la división fronteriza.
Por otro lado, el líder del grupo mexicano Maná, Fher, calificó ayer como "estúpido" el muro fronterizo entre México y Estados Unidos, después que el presidente, George W. Bush, firmara el decreto que permitirá levantar la barda.
Fher dijo a radio Cooperativa que "se nos hace ilógico, se nos hace incongruente y estúpido ese muro porque hace 20 años Estados Unidos estaba tratando de tumbar el Muro de Berlín y ahora salen con que ellos van a poner uno en la frontera con México".
"Es totalmente absurda [la construcción del muro] porque, además, son mil y tantos kilómetros que no se pueden controlar con un muro. Lo que tienen que hacer es una reforma migratoria en Estados Unidos, legalizar a los inmigrantes", precisó el cantante mexicano.
Añadió que los inmigrantes que viven en ciudades de EU "deberían pagar impuestos, tener salud, que tengan una identidad legal, porque se lo merecen, son las gentes que ponen el pan sobre la mesa y Bush y todos lo saben".
Bush firmó el miércoles la Ley del Muro, que permitirá la construcción de una valla en la frontera entre México y Estados Unidos que, a juicio del gobernante, mejorará la protección del país.
El mandatario estadounidense dijo que "esta ley ayudará a proteger a los estadounidenses y a hacer nuestras fronteras más seguras. Es un importante paso hacia la reforma migratoria".
Maná realizó este viernes una breve visita a Chile para promocionar su nuevo disco, Amar es combatir, el cual, según Fher, fue realizado "a fuego lento y hasta que no estuvo listo no lo sacamos del horno".
Explicó que colocaron a una mujer con botas de combatiente en la portada de la producción porque "el hombre no ha sido capaz de detener el caos bélico; [entonces] ya le toca a la mujer. Quizá sea una alternativa más eficiente".
jueves, noviembre 02, 2006
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